arte-a-ficción

"Ojos que no ven, corazón que siente"

2011-12-07T06:42:00.007-06:00

Teatro Ciego

Muestra de Arte en Sala Oscura. Centro Argentino de Teatro Ciego.
12,13 y 14 de Diciembre 19:00 hrs.

Localidades: $40.-
Entrada en boleterías del teatro, vía telefónica o en www.teatrociego.org

Centro Argentino de Teatro Ciego
Dirección: Zelaya 3006 (esquina Jean Jaures) Abasto, Argentina
Teléfono: (011) 6379-8596
E-mail: info@teatrociego.com

Teatro Ciego

Gloria Mariño

2011-11-26T15:20:00.001-06:00

"Déjame ser libre,
Como el aire, como el mar…
Déjame ser libre,
Como el viento
Que me acaricia al pasar…
Déjame ser libre,
Para sonreír.
Te propongo:
No más anclas
¡Que seas mis alas!
En un suspiro de colores
Jugaré con mariposas.
¿Con las flores de lavanda?
Haré un atavío para mi cabello…
Y…luego con una música suavecita
Podremos... bailar"

Gloria Mariño

Darío Parvis: Demostración de Pintura con Aerógrafo

2011-11-23T11:04:00.003-06:00

Buenos Aires, Argentina

BAP 2011

2011-11-21T12:45:00.004-06:00

Imagenes de la pasada Bienal de Arte y Pintura del Chaco, Argentina. Septiembre 2011
Milo Lockett y artistas invitados.

La Noche de los Museos 2011

2011-11-02T11:54:00.004-06:00

Dadores de Arte: Entrevista

2011-10-30T23:00:00.000-06:00

Transmitir y dar amor haciendo arte ! Acción altruista, ejemplar! Entrevista a Pedro Cuevas y los Dadores de Arte del Centro Cultural del Hospital Borda. Buenos Aires, Argentina.

Dadores de Arte

2011-10-30T10:01:00.001-06:00

Pedro Cuevas y los "Dadores de Arte" del centro cultural del hospital "La Borda" ofrecen clase de arte en la carcel de Florencio Varela de Buenos Aires, Argentina.

Francisco Arroyo Cevallos

2011-10-29T23:05:00.003-05:00

Una vez más Francisco nos deleita con sus sentimientos; su poesía, su arte.

Improvisación 51 “ Te Sueño” (29/10/2011)

Tan sólo unas palabras, tan sólo un instante…
recuerdo que tímidamente miré tu foto,
... recuerdo haber creído soñar, haberme extasiado de ti.

Tan amigos…tan lejanos, tan sólo un segundo
y recuerdo que toda mi mente cambió,
recuerdo haberte saboreado, haber rozado tu infinito.

Te sueño cielo,
te sueño porque la casualidad quiso que entre mi destino
y el tuyo se cruzara una simple instantánea,
porque en mi devenir ya sólo existe espacio para ti,

y por ti existo, y por ti respiro y enlazo mis pasos día tras día.
Una simple imagen,
una simple señal invadió mi ser acercándome a ti,

y en mi mundo ha salido el sol, el cielo es azul
y tu figura de ligera sonrisa va rozando el mar,
y sueño con tenerte, con acariciarte palmo a palmo,
con deleitarme con lo prohibido sin mirar atrás, sin pensar..

Te sueño amor,
porque no hay hombre más feliz que el del que su imaginación
compone su existencia,
y yo te espero
y te ofrezco mis labios, mis manos, mi ser,

te regalo mi locura y mi fe.

Te sueño amor…

http://www.arroyoceballos.com/

Enlace Recomendado

2011-10-20T11:59:00.000-05:00

Artistas Independientes

Remedios Fortés Martín

2011-10-20T11:42:00.000-05:00

African Children
Self-taught painter born in Malaga, Spain.

Oil on Canvas
22 x 27 cm

Remedios Fortés Martín
Spain

Oil on Canvas

35 x 55 cm

Remedios Fortes Martín
Spain

Silvia Juárez

2011-10-20T11:37:00.004-05:00

Self-taught painter born in Mexico Cíty.

African Boy

2010

Acrylic on Canvas

40 x 50 cm

African Boy 2

2011

Acrylic on Canvas

30 x 40 cm

African Boy 3

2011

Acrylic on Canvas

30 x 40 cm

Enlace Recomendado

2011-07-13T21:16:00.002-05:00

Historia del Arte
por Elsa Sposaro
http://elartedelaesquina.blogspot.com/

Escuela de Cerámica "Rogelio Yrurtia"

2011-07-13T21:15:00.000-05:00

de Mar del Plata, Argentina
Algunos trabajos realizados para la cátedra "Fundamentos de la Educación" a cargo de la Lic. Alicia Grela Vázquez (colaboradora de "El arte de la esquina").

Caballo de Troya

María Inés Abraham

Medusa - Paula Gato

Medusa

Ma. Carolina Huertas

Venus – Laura Kees

La fragua de Vulcano

Leonel Ouuard

El mito de Medusa

Claudia Galván

Minotauro

Verónica Argüello

Sirena - Claudia Hartung

Sirena II - Claudia Hartung

Zeus – Pablo Muñoz

Gea - Jimena Usai

Esencia de Hefestos

Mariela Chillón Fernández

Atenea – P Amaro.

La venganza de la mujer

Viviana Gamboa

Elsa Sposaro

2011-07-13T21:05:00.003-05:00

Tintas

Autorretrato

Acuarela

Elsa Sposaro

Argentina

http://elartedelaesquina.blogspot.com/

Elsa Sposaro

2011-07-13T21:00:00.001-05:00

Argentina

Acrílicos 2011

Elsa Sposaro
http://elartedelaesquina.blogspot.com/

Xóchitl López

2011-07-13T16:08:00.000-05:00

México

Originaria de la Ciudad de México, Distrito Federal, es egresada de la Universidad Tecnológica de México, en donde obtuvo el título con mención honorífica en la Licenciatura en Diseño Gráfico por tesis titulada” Elaboración de un sistema señalético para la Escuela de Iniciación Artística INBA”. Es artista plástica autodidacta y su experiencia se ha dado en el área gráfica, plástica y docente, en donde ha aplicado sus conocimientos y ha demostrado gran interés en diversas disciplinas tales como; Diseño editorial, publicitario, Historia del Arte, Museografía, Artes Plásticas, Señalización, señalética, Ilustración, Pintura, Inglés; entre otras.

Actualmente, se dedica a la enseñanza en el área del dibujo y pintura tradicional, clases que son impartidas en una taller propio al Norte de la Ciudad de México, a niños, jóvenes y adultos, de igual manera, es profesora del Idioma Inglés, cursos que son impartidos a niños de primaria y jóvenes que se encuentran cursando la secundaria y preparatoria apoyándolos en su aprendizaje, apoyo a tareas, etc. Ha tomado diversos cursos del idioma Inglés y actualmente se encuentra en preparación para la obtención de Certificaciones Internacionales, que avelen sus conocimientos, de igual manera se dedica a trabajar como free lance en el área de las Artes Gráficas.

Julio-Agosto 2011- Participación en curso de verano, enseñanza del idioma Inglés para obtener el primer certificado de Youngers learners of Cambridge Esol. IMI.

Julio -Agosto 2011. Participación de curso de Verano,en la enseñanza de las artes plásticas en el idioma Francés. La masion Du Qoc.

Trayectoria Artística:

1996-1997-Se inicia en el ámbito cultural, específicamente en el área de dibujo y pintura, aunque ya anteriormente había tenido contacto con el arte, no fue hasta estos años en que lo hace más en forma.

-1996-.Exposición colectiva dentro del marco de la “Semana de la Juventud” en la exposición de pintura del Centro de Bienestar Social Urbano Zacatenco (DIF).

-1996-.Exposición Colectiva, en la Casa de la Cultura José María Velasco, exponiendo diversas técnicas como terracotas, lápices de color y óleo.

-1997-.Exposición Colectiva en la “ Casa de Cultura José María Velasco.

-2000-.Exposición Colectiva Expo Comic Tri- en las instalaciones de la “Universidad Tecnológica de México”, exponiendo en el área de Técnicas de Ilustración.

-2000-.Exposición Colectiva, en el Foro “Dada X” en la ¨Expo Comic Tri¨ en la Ciudad de México exponiendo como temática, una viñeta de comic en tercera dimensión, en donde emplearía como técnica; La aerografía ( pincel de aire).

-2007-.Exposición individual-“Casa de Cultura José Martí”-. En la Exposición nombrada con su mismo nombre:¨Xóchitl¨

-2008-.Exposición individual,- “Casa de Cultura José María Velasco”-, En la Exposición nombrada con su mismo nombre:¨Xóchitl¨

-2009-.Exposición colectiva,- Explanada de la Delegación Gustavo A Madero, en la cual participa con 5 cuadros de diversas técnicas, tales como: pastel seco y mixta.

-2009-.Exposición Colectiva con motivo del “Primer festival de Verano, en el Centro Histórico de la Gustavo A. Madero”.

-2010-.Exposición Individual, invitada por el “Centro de Juventud, Arte y Cultura Futurama”, dentro del marco del Festival de los años sesentas.

-2010-.Exposición Individual, mostrando su obra plástica, invitada por el “Centro de Juventud, Arte y Cultura Futurama” en el homenaje a Paul McCartney.

-2010-.Exposición Individual, y por tercer ocasión, es invitada por el “Centro de Juventud, Arte y Cultura Futurama”, dentro del marco de Tributo a Elvis Presley.

-2010-.Exposición Colectiva 2010,con motivo de la muestra de trabajos de sus alumnos de dibujo y pintura, en el Centro Cultural José Martí.

-2010-.Exposición individual, invitada por la “Casa de Cultura José Martí”, participando en la Exposición Retrospectiva, en donde expone parte de su obra plástica desde sus comienzo a la fecha.

-2011- Exposición Individual, en “la maison du coq”, Escuela de Francés, participando en la exposición Miradas, en donde expondrá parte de su obra plástica, mostrando instalaciones de arte objeto, dibujos pinturas, borradores en diversas técnicas.

-Ha participado en algunas exposiciones virtuales, mostrando obra, así como también haciendo algún aporte cultural

Autodidarte: http://arteaficcionautodidarte.blogspot.com/
Arte afición: http://arteaficcion.blogspot.com/
Expo Aniversario: http://expo5aniversarioaaf.blogspot.com/
Expo Arteficcion2008: http://exposoledadarteaficcion.blogspot.com/
Expo Arteficcion 2007: http://arteaficcion.blogspot.com/2007_12_01_archive.html
http://arteaficcion.blogspot.com/2008_03_01_archive.html
Expo-estilos: http://arteaficcion.blogspot.com/2008_11_01_archive.html

Fotografías de la exposición actual de Xóchitl López "Miradas"

Francisco Arroyo Ceballos

2011-06-29T12:20:00.001-05:00

Improvisación 41 “De otra Manera” (26/6/2011)

Deseo, desearía…

créeme porque es cierto,
Deseo, desearía una nube de suave algodón,
...un motivo que me hiciera simplemente soñar,
que por una vez, tan sólo por una vez
te acercaras a distancia,
dieras tu brazo a torcer,
deseo, desearía…un “te quiero” y nada más.

¿Sería mucho pedir?
Un “te quiero” oculto,
un “te quiero” sumido en el entorno de lo ajeno,
de lo mudo, de lo incongruente de la lejanía,
de lo absurdo de la separación,
un “te quiero” puro, sin imposiciones, obligaciones o límites,
un “te quiero” porque sí.

Deseo, desearía…
un espacio incandescente en el que mi mejor virtud
fuera la de alcanzar el sumun junto a ti,
en el que lo incongruente de la situación se desvaneciera
en nuestras manos dando así paso a tu destino, a mi destino,
dando así un segundo de libertad a nuestras vidas.

¿Serías capaz?
Recuerda…
deseo, desearía…un “te quiero” y nada más.

Francisco Arroyo Ceballos

José Carlos Ortíz

2011-03-31T11:51:00.003-06:00

Ismitta

José Carlos Ortíz

Pintor, dibujante, muralista y diseñador autodidacta. Nacido en Tomelloso, Ciudad Real, España. Ha participado en un diferentes exposiciónes colectivas e individuales. Miembro de diversos e importantes centros, academias y asociaciones de arte en Europa, Latinoamerica y África.

http://www.josecarlosortiz.com/

Adrian Torres Art

2011-03-31T05:52:00.007-06:00

Adrian Torres Ledesma

Pintor español, nacido en el año de 1982 en Jerez de la Frontera, Cadiz.

Su obra se caracteriza por el la vigorosidad de sus trazos, el contraste esplendido del color y la expresividad intensa que se puede apreciar en su obra, en la que destaca principalmente el retrato.

http://adriantorres.artelista.com/

José Carlos Ortíz

2011-03-14T10:53:00.008-06:00

Fotografía

By José Carlos Ortíz

Más de José Carlos Ortiz
http://www.pintortiz.blogspot.com/ http://www.josecarlosortiz.com/

Fotografía

2010-11-01T12:09:00.010-06:00

Universidad Autonoma de México

Concurso Foto al 100

Concurso que pretendió capturar las imagenes que dejan huella en la vida cotidiana de la Universidad.

Estas son algunas imagenes participantes, proporcionadas por

Ronan Bolaños, Arquitecto, quien tomó parte en este concurso.

A continuación una descripción de sus fotografías

El 'break'

Canon EOS 400D Digital f/13 1/200s ISO 1600

Retoque de brillo y contraste

25/03/2010 Patio del Anexo de la Facultad de Ingeniería

Es habitual que en el campus de CU donde haya banca y barda en el mismo contexto inmediato, se utilice para sentarse la barda y no la banca. Es posible que en este caso sea por mantener una visual al nivel de una persona erguida, por tener mejores vistas o simple y llanamente por doblegar las normas convencionales. El alumnado de ingeniería tradicionalmente suele ser conformado por estudiantes amigables que en su mayoría son hombres, esta foto pretende incidir en esta sospecha.

"El gol"

Canon EOS 400D Digital f/10 1/160s ISO 100

Conversión a Blanco y Negro, retoque de brillo y contraste

25/03/2010 Explanada de la F. de Medicina y la F. de Odontología

El patio de la Facultad de Medicina y Odontología es una cancha que se ha consolidado como el campo de fútbol más recurrido del interior del campus, donde se organiza desde el tiro de penales más llanero hasta las competencias más elaboradas tales como los torneos interfacultades por equipos sean incluso estas femeniles. Es un respiro travieso que se le esconde a rectoría por detrás de la torre de humanidades y que permite el desahogo del ímpetu del juego, convoca a facultades próximas y lejanas y por si las dudas cuenta con asistencia médica de imbatible proximidad.

"El pasillo azul y dorado"

Canon EOS 400D Digital f/3.5 1/40s ISO 100

Retoque de brillo, contraste y saturación.

25/03/2010 Pasillo en el edificio de Postgrado de la F. de Arquitectura

Por debajo de los salones de postgrado de la Facultad de Arquitectura, se genera un efecto un tanto peculiar, el cielo se refleja en la tierra y el techo se recrea en dorado solar. Son estos los colores insignes que representan a la Universidad, tal como si no hubiera habido que pensarlos, ya que estos habían convocado primero.

"La luz del saber"

Canon EOS 400D Digital f/13 1/400s ISO 1600

Retoque de brillo, contraste y saturación.

25/03/2010 Biblioteca Central

En el interior de la Biblioteca Central, el color dorado que permite el paso translúcido de la piedra de Ónix, se manifiesta como la luz que permite la asimilación de la información escrita, la contemplación espacial de una situación de excepcional cromática que sin embargo tras buscar su fuente con la mirada, responde con la imposibilidad de distracción exterior que nos convoca a retomar la lectura.

"Texturas de primavera"

Canon EOS 400D Digital f/7.1 1/125s ISO 100

Retoque de brillo, contraste y saturación.

25/03/2010 Patio de entrada F. Medicina

Las jacarandas de la UNAM en su mejor momento, que es en primavera, son indicios evocativos de la mejor época del año, es cuando los colores destellan con su implacable fuerza, cuando gracias al desenfado de las hojas, las flores se lucen con engañosa independencia, y las ramas como limpia estructura, aderezan la escena con equitativa dosis de sombras y juegos de texturas, que difícilmente son protagonistas por culpa del morado fulgurante del narcótico embeleso.

Ronan Bolaños
Arquitecto

Elsa Sposaro

2010-11-01T11:50:00.003-06:00

"El Color de la Mirada"

***

Elsa Sposaro es originaria de Mar del Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina.

"Telúrico"

"Busco mi Camino"

"Amanecer del León"

***

Breve Biografía

Nací en la ciudad de Ramos Mejía. Mis padres siempre estuvieron cerca del Arte. Mi madre tocaba el violín y cantaba en coro, cuando joven. Mi padre, músico, bandoneonista, tenía su propia orquesta, muy conocida en los años cuarenta y cincuenta en Buenos Aires. Tengo un hermano, y un sobrino, arquitectos y una sobrina, artista visual.

Vivo en la ciudad de Mar del Plata desde 1989. Soy Profesora de Lengua y Literatura y me dedico al Arte desde hace treinta años.

Página web: http://elartedelaesquina.blogspot.com/

Invitación: POR AMOR AL ARTE

2010-09-27T08:19:00.001-05:00

Voluntarios !
Escritor, poeta, amante de las letras... te invito a publicar con nosotros... Arteaficción... aura7stern@yahoo.com

Paco Melendez

2010-09-19T15:27:00.003-05:00

http://pacomelendezartecreativo.blogspot.com/

África Rostros

2010-06-10T04:41:00.017-05:00

DORA ALIS

Colombia

Originaria de Bogotá, dedicada a la pintura desde el 2003. Dora Alis, pretende transmitir con sus pinturas un mensaje de paz, belleza y amor...

Que definitivamente podemos apreciar en sus hermosas pinturas en este caso de niños de raza africana.. ternura, belleza...dulzura...

ROSTROS

http://dora-alis.artelista.com/

Los Ángeles toman Café ?

2010-06-08T16:35:00.010-05:00

Rafael del Valle Contreras

FOTOGRAFÍA

Rafael Del Valle Contreras, nace en la ciudad de México, estudia fotografía en la Escuela Superior de Artes Plásticas en la dirección de postgrado en San Carlos de la UNAM. Ha colaborado para distintos medios impresos y electrónicos, algunos de ellos son: Banda Roquera, Gaceta de Solidaridad, Unomasuno, El Nacional, Revista Mira, Revista Reflex, Tierra Adentro etc.

Su trabajo ha sido publicado en los libros: "Y nos organiamos", "Preis für jungen Bildjournalismus", Anuario 1999 del Club Fotográfico de México, Cultura Visual. “Una Experiencia Callejera".

En portales de internet entre los que destaca: http://mx.groups.yahoo.com/group/arteaficcion/

Actualmente, colabora desde hace seis años en la revista mexicana Fotozoom, teniendo a cargo la sección de Técnica Fotográfica. Dirige el portal "Vive la Cultura", Coordina un taller dominical de desnudo artístico, desde hace 5 años, e imparte cursos de fotografía.

Su obra abarca fotografía análoga en blanco y negro, técnicas antiguas, reutilizando técnicas de virado tradicional, reformulando y adicionando ácidos gracias a los estudios de química que hizo en el Instituto Politécnico Nacional. Actualmente se desarrolla en la fotografía digital. Ha abordado diversos temas basándose en la composición fotográfica como uno de los principales elementos de impacto de la imagen tanto en el fotorreportaje como en la toma en estudio. Combinando composición e iluminación, ya sea para retrato o desnudo artístico. Desarrollando varias series hasta ahora las cuales son:

Dentro del reportaje: "Herederos Del Fin de Siglo" (sobre las propuestas independientes del rock en México, sobre todo en moda y expresiones culturales). "Así Somos", sobre las fiestas populares de la ciudad de México. En estudio y composición, desarrollando el tema de: miradas de metal (apoyándose en técnicas antiguas de fotografía). "De la mano de Dios" .Usando las manos como punto de partida del proyecto.

Graffities: Partiendo de la composición y la presencia de alguna modelo. (sin concluir) y Ángeles.

Rafael nos presenta en esta ocasión algunas de las fotografías de su exposición actual "Angeles"

ANGELES

César Córdova

2010-05-27T15:22:00.017-05:00

César Córdova (México D.F., 1983) Licenciado en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (2003-2006). Ha expuesto individualmente en la galería Nadia Montefiore (2009), Artlalpan Galería (2006), Masmédula Galería (2003), la Galería 2 de la ENAP-UNAM (2003) y el Instituto Mexicano de la Juventud (2003). Ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, Italia, Colombia y Alemania. Fue apoyado por el Programa Nacional de Becas para la Educación Superior (Fundación UNAM, 2003-2006) y becado en el 2004 y el 2007 por el programa de apoyo a Proyectos Artísticos y Culturales del Instituto Mexicano de la Juventud.

http://cesarcordova.com/

Más de la obra de César Córdova:

http://smg.photobucket.com/albums/v476/yakusokowairanai/Pinturas%20disponibles/retratos/

Fernando Parrilla Zapata

2010-05-15T05:46:00.001-05:00

Neo Figuración

2010-05-15T04:57:00.000-05:00

de Oscar Gagliano
Buenos Aires, Argentina

Oscar Gagliano

2010-05-15T04:52:00.000-05:00

HISTORIA DE UNA CHICA

La presente historia es una narración a partir de un pequeño relato de Juan Carr en el programa “Basta de todo” [La Metro].
Jimena tiene diecisiete años, llevaba a una vida normal, entre gente normal, hasta que le paso algo que no a cualquiera le pasa. Esa mañana se duchaba para comenzar el día, como todos los días. Desde hace algún tiempo tuvo la extraña sensación, que algo pasaba con su cabello. Hoy lo corroboraba y ahora sí, empezaba a ser una duda, que necesariamente debía compartir con alguien. En lo inmediato fue su madre y ambas coincidieron y vieron como pequeños y grandes mechones de su pelo comenzaban a desprenderse y no solo en la ducha. Pasaron los días y lo que eran dudas, se convirtieron en certezas médicas. Jimena fue consciente de los días y penurias que le esperaban por delante. Una cuestión personal y un campo de dudas, incertidumbres y penurias sociales. Su entorno le sugería soluciones y propuestas que por protegerla, tendían al ocultamiento y el disimulo. Comenzó el tratamiento y la quimioterapia comenzaron a denunciar públicamente que ya era un hecho, que la calvicie denunciaba su estado. Bueno es decir a esta altura, que esta historia terminó felizmente con la curación definitiva. Mientras tanto, ante la sola mención de faltar a la escuela, para ocultar su imagen, Jimena tomo plena conciencia que en sus cortos diecisiete, había algo que tenía claro, hacer frente su problema, aunque tuviera que luchar con el que dirán y los prejuicios. Llego el día de enfrentar a sus compañeras de clase, luego de las consecuencias del tratamiento. Colegio de mujeres, fachada antigua y una sociedad cargada de prejuicios. Hasta allí llego Jimena, en remis, ya que su fortaleza no le alcanzo para además de todo, enfrentar viajes en colectivo. Debía enfrentarlas, aunque era suficiente con entrar en esa clase. El remis se detuvo, estaba allí y no podía volverse atrás. Eran tres escalinatas, cada una más pesada que la otra. El viento azotaba desde atrás, su suave pelada. Mujeres, chicas adolescentes preparadas o no para aquella imagen quería, tenía que enfrentarlas, aunque ni siquiera imaginaba, como y que pasaría luego. Largo y frio pasillo, llegaba intencionalmente tarde, aunque también esto estaba previsto, al menos era una forma de que fuera todo mas aliviado de esta manera, estar informados apaciguaba las cosas. El picaporte estaba frio, aunque podría ser solo una sensación. Abrió la puerta y entonces, lo inesperado, de todas las cosas posibles era la única que nunca se le habría ocurrido que podría pasar. Sus compañeras, treinta y cinco compañeras de aquel curso, todas peladas.

Francisco Arroyo: Improvisación

2010-05-13T22:56:00.010-05:00

Francisco Arroyo expresa en su poesía sentimientos que despiertan, sugieren, inspiran...

Improvisación 9 “Hope" e Improvisación 10 “Entre mis dedos” son 2 de la serie de poemas del artista español, cordobés: Francisco Arroyo. Autodidacta abstracto que pertenece a diferentes sociedades y asociaciónes de arte en Argentina y España. Quien es a su vez es director y promotor artístico. Fundador de los grupos artísticos “Colectivo CERO” y “conectARTE”

Más de la obra y trayectoria de Francisco Arroyo:
http://www.arroyoceballos.com/
http://www.revistaconectarte.com/
http://www.airesdecordoba.com/
http://www.truecarte.com/

****

Y que mujer no disfruta de palabras bellas, tiernas, amorosas ... No siempre expresadas, no siempre escuchadas... Sin embargo, el amor no es siempre belleza ... quién ama se arriesga también al sufrimiento viviendo momentos amargos, momentos de pérdida .... pero cuando esto se ha vivido, el verdaderó amor crece y nos ilumina con más fuerza con su hermosura...

Improvisación 9 "Hope"

2010-05-13T22:50:00.002-05:00

Hola Cariño,

dicen que de sueños vive el hombre,

y en sueños te siento, pura, suave y entregada;

entregada a mí como sólo alguien exultantemente esplendorosa se entrega,

como sólo un alma libre es capaz de exhibir sus encantos.

Y espero, y me convierto en anhelo,

en alma en pena que vaga difusa por el cosmos,

en estandarte de lo desposeído,

en estrella fugaz…

Estoy aqui, porque tras la tormenta la calma alcanza su máximo esplendor

provocando luminosidad, alegría, sosiego...

En mi camino te encuentras
y no te pierdo, me entrego y espero, I hope…

Francisco Arroyo

http://www.arroyoceballos.com/

Improvisación 10 "Entre mis dedos"

2010-05-13T22:00:00.003-05:00

Entre mis dedos se desliza tu piel, suave, deseada…

se deslizan mis pensamientos aflorando mis sentidos;
te despierto con caricias que alcanzan lo sublime,
repitiendo en tus odios un “te quiero”,
ensimismado en tu hermosura,

llenando tu entorno de paz, de armónica respuesta,
imaginándote eterna,
tiernamente entrelazada en mi cuerpo,
apocada al ansia.

Entre mis dedos resuena el anhelo, la elocuente dependencia
se percibe, se palpa, se denota la entrega;
te deseo y en mi deseo se esconde la razón,
refugio de placer, irrevocable disuasión,
envolvente ímpetu,
llanto y goce que conviven despiertos,
imaginándote rendida,
tácitamente dispuesta, preparada…,
apetitosamente linda,… tierna y bella.

Francisco Arroyo

http://www.arroyoceballos.com/

Louise Bourgeois

2010-02-23T10:56:00.000-06:00

Louise Caroline Bourgeois (París, 25 de diciembre de 1911) es una conocida escultora y artista francesa.

Una de las copias de Mamá, escultura de más de 9 m de alto.Louise Bourgeois trabajó con Fernand Léger antes de instalarse de Nueva York. Allí se casó con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater en 1938.

Los padres de Louise Bourgeois eran restauradores de tapices, lo que, según ella, no fue determinante en su carrera artística. Sin embargo, desde los diez años empezó a ayudar a sus padres con los dibujos de los tapices y completándolos. Tras haber obtenido el bachillerato en 1932, estudió matemáticas superiores en la Sorbona y geometría, esperando encontrar así un orden y una lógica en su vida. Desde niña, era turbulenta y se dio cuenta de que su niñera era amante de su padre.

[Bourgeois se apartó de las matemáticas, en su opinión demasiado teóricas. Empezó estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo Fernand Léger. En 1937 conoció a Robert Goldwater, que se casará con ella y con quien se trasladará a Nueva York al año siguiente. Allí prosiguió el camino que había iniciado en París y llevó a cabo sus primeras exposiciones, impregnando sus obras, en especial esculturas, de esa vena psíquica, procedente de sus traumas personales.

Plenamente consciente de esta dimensión de su obra, está sin embargo muy alejada de las representaciones literales que caracterizaban en especial al surrealismo en su relación con el inconsciente, y en ese sentido abrió una vía muy vanguardista del arte contemporáneo. Sus esculturas monumentales de arañas, construcciones oníricas, son uno de los ejemplos más conocidos.

En el 2003 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

Fuente: Wikipedia

http://es.wikipedia.org/wiki/Louise_Bourgeois

Wolfgang Amadeus Mozart

2010-02-23T03:14:00.003-06:00

Mark Rothko

2010-01-13T02:17:00.000-06:00

Archevintes Art

2010-01-07T02:21:00.002-06:00

Archevintes, artista Suizo, nos presenta algo de su obra.

http://www.archevintes.com/

Email: contact@archevintes.com

La Comunidad del Palomo

2010-01-07T00:06:00.000-06:00

Ivan Pawluk

http://ivanpawluk.hostoi.com

Imagenes 2009

2009-12-23T15:07:00.000-06:00

"Autorretrato"

Martha Zylbersztejn

Argentina

4° Puesto en la Convocatoria del Mes de Octubre "Autorretratos III" de FotoRevista,

"Hoja"

Silvia Juárez

México/Alemania

“Rincón de Fermoselle (Zamora)

46x38 óleo s/lienzo”

Tomás Castaño

España

"Cerca"

Guillermo Arjona

España

De la serie "De la Unidad a lo Universal"

Etelvina Angulo Garibaldi

México

:"Te abrazo, me abrazas..."
Técnica: acrílico sobre lienzo
Gloria Mariño
Argentina

Pintura Naif

2009-12-21T17:07:00.006-06:00

Estas son algunas imagenes de pinturas de las alumnas del taller de Lidia Papic.

    Marisa Segovia

    Silvia Díaz

    Silvia Giordano

El Taller de Lidia Papic

"En un ambiente agradable creativo y lleno de energía enseño arte naif.

El naif es un estilo ingenuo que no necesita de muchos conocimientos, solo sensibilidad y muchas ganas de pintar.

También tengo un taller en una Institución de ayuda a la persona sorda, alli con mucha alegría se expresan a través del arte".

Alicia Girdau

Elsa Roit

Graciela Henry

Delia Massetani

Julia Cáceres

http://estudio9arte.blogspot.com/

Lidia Papic

Nacionalidad: Argentina

País de residencia: Argentina

Estación Constitución

http://www.calidonaif.com.ar/

Un Paseo por el Río

2009-12-02T14:38:00.004-06:00

Ivan Pawluk
Argentina
http://ivanpawluk.hostoi.com/

Salvador Dalí

2009-11-28T07:27:00.004-06:00

Arte Conceptual

2009-11-13T02:33:00.001-06:00

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa. EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el artista francés e inventor del readymade Marcel Duchamp (que emigró a EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EEUU, Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada en tanto que objeto especial. En japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente.

El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

Fuente: Wikipedia

FELIX ANAUT

2009-11-13T02:23:00.003-06:00

Una Obra Visitada

Por: ÁNGEL DAVID GUEVARA POZAS

Pues he asistido a la exposición virtual más intensa que los links permiten sobre la obra de este artista originalmente español y avecindado en Francia.

Ante la contemplación obcecada de la obra, subyugado por el reto de buscar contenidos, secuencia de contenidos o proyecciones personales susceptibles de aplaudir y compartir, veo los trazos dorados, interrumpidos por semitrazos negros o por rectángulos blancos… y mi mente sangra, esforzada hasta el sacrificio, atiborrada de ansiedad porque quiere descubrir lo que, obviamente, no encuentra.

¡Ah ya sé! exclamó mi sistema límbico que es el que sabe cuando los demás sienten… ¡Estoy ante el propósito! Las líneas interrumpidas, lo orígenes indefinidos, los finales que llegan a ninguna parte… ¡Estos son los propósitos! ¡El propósito nunca se cumple porque deja de serlo! ¡El logro es la negación del propósito! Y entonces… los rectángulos definidos en blanco significan el logro ¡porque rompen las indefiniciones!

Las neuronas en mi sistema límbico vibraron excitadas, como niñas que observan por primera vez un exbotón ahora floreado. ¡Sólo nos falta ligar un significado para los puntitos negros…!

Y en eso estaban cuando doña meganeurona central controladora dejó caer su frase demoledora: ¡NO MMMAnejen así las cosas! Le ponen mucho de ustedes y dejan poco del artista. ¡A ver! traten de interpretar las deformosidades de las figuras humanomorfas.

Mi cerebro completo se silenció… la deformación de la humanidad… el deforme interior de un exterior atildado y cuadrado… el recuerdo de un inicio vacilante cuando a los siete años decidí ser pintor… No, ninguna de estas búsquedas terminaba por satisfacer mi necesidad integrativa del ejercicio perceptivo.

Pienso en Félix Anaut como un ejemplo de lo que yo llamo “arte aleatorio”. Es como pintar lo primero que se me ocurre, al lado de lo segundo que se me ocurre, y así en una sucesión aleatoria hasta lograr emborronar el lienzo sin un plan de obra, sin una historia que relatar, sin un mensaje que organice los contenidos.

Mi exhausto cerebro se dio por vencido. El arte aleatorio es refractario al descubrimiento del mensaje o bien requiere de niveles de abstracción superiores, no sólo respecto del concreto representado sino de la información acumulada en la base de conocimiento.

Al final del enésimo video, entre una luz fulgurante, vino a mi mente un texto que escribí hace algunos meses y que ahora reproduzco.

PALABRAS

Hay veces que me quedo sin palabras...

No es que no quiera decir o comentar o criticar

¡simplemente no hay palabras!

Porque la palabra se genera del entendimiento,

el entendimiento de la comprensión...

la comprensión del reconocimiento

y el reconocimiento del conocimiento.

Por eso hay veces que me quedo sin palabras...

La ingenuidad puede ser mordaz

y jugar a esconder la maestría.

La simplificación de la obra puede ofender

al exponer un mensaje con formas muy simples...

para que otro lo entienda.

Por eso hay veces que no sé lo que veo

un juego o un intento de juego.

Un ejercicio libre de manchado de superficies

para redimensionarlas

en la extrema libertad de la sin razón.

Y el deseo comunicativo se atora,

encadenado, sin la palabra liberadora que no encuentra

porque no puede trascender su incomprensión

Estas son palabras del vacío...

de mi no entender, a veces, lo que veo

por falta de conocimiento para reconocer

y apreciar.

Judith Tellado González

2009-11-06T14:16:00.003-06:00

Judith Tellado González

Nací en la isla caribeña de Puerto Rico. Desde muy joven me sentí atraída por distintas formas de arte. Estudié lenguas romances, arte y lingüística en la Universidad de Puerto Rico. Durante esos años comencé a experimentar con la técnica acrílica.

En enero del 2008 vine a vivir a Hamburgo y desde entonces he trabajado con la música y la pintura. En mis composiciones combino lenguaje, color y técnica mixta. Mis recientes composiciones son de tipo conceptual y destacan diversos temas actuales de la comunidad en la que vivo, así como del proceso de adaptación como inmigrante.

mail@artjudithtellado.de

www.judithtellado.de

Joaquín Sorolla

2009-11-01T06:30:00.011-06:00

Quién fue Sorolla?

Por Gloria Mariño,
aguacateyfresas@yahoo.com.ar
Artista plástica argentina,
Buenos Aires, Argentina
http://aguacateyfresas.blogspot.com/

Cosiendo la vela, 1896

Valencia sin lugar a dudas, su ciudad natal, es la que lo marca de manera notoria en la temática de muchas de sus obras.

Sorolla, autorretrato

Ustedes conocerán seguramente algo de la magnífica obra de quien he decidido traer hoy a este espacio para compartir con todos ustedes: Joaquín Sorolla Bastida, increíble artista, pintor español nacido en Valencia, en 1863.

Valencia sin lugar a dudas, su ciudad natal, es la que lo marca de manera notoria en la temática de muchas de sus obras, ciudad portuaria, escenas marítimas, van a reflejarse en varios momentos de las obras de Sorolla.

Pero para conocer la obra de nuestro increíble pintor de quien hablaremos hoy, vamos a ubicarnos en tiempo y espacio, de esta manera seguramente vamos a comprender mejor su obra.

Sorolla, paseo, 1909

Sorolla se desarrolla en la España del Siglo XIX y XX, que la historia marca como comienzo de la Edad contemporánea. Vamos a ver fuertes cambios en estos siglos, recordemos que la segunda revolución industrial se da precisamente entre 1880 y 1914. Recordemos también que en el siglo XX se dan grandes avances a nivel tecnológico, a nivel social, como la liberación de la mujer en gran parte de los países.

En arte vamos a tener movimientos como el impresionismo. Durante el siglo XIX se desarrolla en España el nuevo siglo de oro de la pintura valenciana, el principal aporte de los artistas de la época es la luminosidad de las obras, y esto se desarrolla con una particular técnica de pinceladas cortas y manchas de color unidas a una ejecución rápida, esta forma de pintar es lo que motiva a la escuela impresionista, y su principal preocupación es la iluminación y la instantaneidad.

Sorolla, verano

La temática se diversifica mucho pero responde fundamentalmente a las demandas burguesas de la época que eran precisamente, los clientes, por lo que son escenas históricas, de paisajes, retratos, escenas costumbristas.

El impresionismo, al preocuparse por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos de la obra van perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura que anuncia algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX.

Antiguo jardín del Alcázar de Sevilla, 1910

El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.

Al principio de su carrera Sorolla se interesó en los temas sociales y así es como surge en una de sus obras “Trata de blancas”, “¿Aún dicen que el pescado es caro? . Otra de sus obras maestras en el género de denuncia social es “¡Triste herencia!”, con la que ganó el premio “Grand Prix” en la Exposición Universal de París de 1900.

Sorolla, la vuelta de la pesca

Entre sus éxitos tempranos está “La vuelta de la pesca”, que presentó en el Salón de París de 1895 y que le valió el reconocimiento internacional que ya no lo abandonaría.

“Cosiendo la vela” nos muestra una pintura de un patio, cubierto con un emparrado que filtra la luz, en el que un grupo de personas, la mayoría mujeres, trabajan en la confección de una enorme vela.

La mayoría de estas escenas, pintadas entre 1904 y 1916, se sitúan en el Mediterráneo.

En sus últimos años pintó varias veces el jardín de su casa nueva.

Joaquín Sorolla, La Costa

Fuente: Periódico Nuevo Mundo

http://periodiconuevomundo.es/2009/08/29/quin-fue-sorolla/

FELIX ANAUT

2009-10-16T23:15:00.002-05:00

Artista Invitado

Para ver biografía (inglés) visita:
http://www.anaut.eu/Site/Biography_page.html

***DAROCA SYMPHONY ***installation

ATELIER FELIX ANAUT NEWS

FELIX ANAUT ARTIST 47

"Small concierto by Joffin Seaward & Felix Anaut"

Always it is very stimulating to exhibit with another artist, but even more when this artist is a musician and a friend.

Please do click on this links...

H.Carey Good

JOFFIN SEAWARD CONCERT

http://www.youtube.com/watch?v=G7UGomgrfMI

felix anaut work

http://www.youtube.com/watch?v=4GbBbJqAZ-k

http://www.youtube.com/watch?v=Us2FZ_igjSQ

http://www.youtube.com/watch?v=MuucXv13tRc

http://www.youtube.com/watch?v=chK94xdeRPU

http://www.youtube.com/watch?v=7OB6JlHbwE0

http://www.youtube.com/watch?v=A47BWBUDoe4

http://www.youtube.com/watch?v=MuucXv13tRc

H.Carey Good

Atelier Anaut

http://www.anaut.eu/

http://uk.youtube.com/user/anaut

e - mail.....anaut@yahoo.com

http://fineartamerica.com/profiles/felix-anaut.html

http://www.agregarte.com?idAutor=676&idSala=1 ....clik......zoom

http://uk.groups.yahoo.com/group/art-what-art

JOFFIN SEAWARD & FELIX ANAUT CONCERT

2009-10-16T22:40:00.006-05:00

"Es difícil hacer un comentario sobre la obra de un artista. Es más no sé si corresponde hacerlo, pero es evidente la versatilidad de Anaut, moviéndose con soltura entre lo abstracto y lo figurativo.

Es además muy original la resolución de esto último y la representación de la figura humana, donde la línea, simple y suelta resalta expresivamente las partes de esta, dándole énfasis a lo íntimo".

Prof. Elsa Sposaro
Argentina

Artsalud

2009-10-16T22:07:00.001-05:00

http://www.artsalud.es/

Bruno Rozas Delgrosso

2009-10-16T12:59:00.006-05:00

Estudiante de Fotografía
Argentina
http://salondeborz.blogspot.com

HEAR THE WORLD

2009-08-31T14:05:00.002-05:00

Exposición 'Hear the World" 22/07/2009, Londres, Reino Unido.

Hear the World presenta: "Hear the World Ambassadors" - Es una exposición fotográfica con retratos exclusivos de estrellas de cine, el mundo de la música y la moda. Por primera vez se exhiben en Londres las imágenes del músico y fotógrafo Bryan Adams, en la que retrató a famosos que apoyan la iniciativa de "Hear the World" como Plácido Domingo, Diane Kruger, Mick Jagger y Franka Potente.

Con la ayuda de sus famosos embajadores, la iniciativa "Hear the World" pretende que se tome conciencia mundialmente sobre la importancia de afinar el oido y la perdida de la audición. Para este fin se dejaron capturar iconos de la música, tales como: Moby, Amy Winehouse y Annie Lennox en poses que expresan una "audición conciente" En una impresionante serie de retratos.

"Significa mucho para mí, poder apoyar una iniciativa tan importante como esta" expresó Adams. "Como músico, simpatizo por supuesto con esta iniciativa que pretende
apreciar y fomentar el valor del oido, sensibilizando a la gente a proteger su sentido auditivo.
"Espero que esta exposición pueda ayudar a aumentar la conciencia del increíble valor de afinar y proteger su propio organo auditivo".

Los visitantes pueden realizar en diferentes puntos una prueba auditiva gratuita.

FUENTE: http://www.hear-the-world.com
Traducción: Silvia Juárez

Bryan Adams
Fotógrafo y Músico

Enlaces Relacionados:
http://www.hear-the-world.com/exhibition/
http://www.elpais.com/fotogaleria/Bryan/Adams/fotografo/solidario/5395-1/elpgal/
http://www.elpais.com/articulo/agenda/oido/bryan/adams/elpepigen/20080503elpepiage_3/Tes/
http://www.bryanadams.com/index.php?target=photography

Susana D´Momo

2009-08-30T02:07:00.002-05:00

Nuestra artista invitada

Susana D´Momo (1954)

Nacionalidad: Argentina

País de residencia: Argentina.

http://susanademomo.artelista.com

"PASEANTES"
ÓLEO SOBRE TELA
50X60 CM
SUSANA D´MOMO

Trayectoria Artística

Susana de Momo ó Susana D´Momo, es una artista plástica argentina que ha realizado más de 300 exposiciones colectivas e individuales desde 1972. Completó sus estudios de Bellas Artes con trabajo en ateliers de reconocidos artistas nacionales y a raíz de una beca, con profesores europeos. Ha representado al país en exposiciones internacionales:

Xunta de Freguesía – Lisboa – Portugal
Casa Amatler – Barcelona, España
Fnac de Diagonal Mar - Barcelona, España
Galería Anagma de Madrid y Valencia, España
Fundación Antares de Sevilla , España
Art New York, USA
Art Las Vegas, USA
Art Dublin, Irlanda
Galería Domogallery - New Jersey - USA
Sala “Los Lavaderos”- Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias- España
Sala Xátiva - Valencia –España,
Galería “L´Alchimiste” y “Le Poutre” – Marsella – Francia,
Universidad de Aguas Calientes y Casa de la Cultura de Lagos de Moreno, Feria del Libro de Guadalajara Jalisco, México
Casa de la Cultura de Maracena, Granada (Andalucía Oriental, España)
Galería” Picasso Mío” en Madrid y New York
Sala de los Archivos del Rey en Bruselas – Bélgica.

Nacionales:

Palais de Glace, Manzana de las Luces, Universidad Tecnológica Nacional
Museo Prilidiano Pueyrredón en San isidro
Museo Galerna en Santa Fe
Sala SMATA,
Sala “Julio A. Cortázar”
30ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires
Embajada de Cuba, sala Albacaución
Colegio de Abogados de Buenos Aires
Casa de la Provincia de Buenos Aires
Museo Histórico Sarmiento
Museo Rómulo Raggio
Galería Tante Sara y Museo Maritimo
Galería del Presidio en el marco de la Bienal del Fin del Mundo– Ushuaia – Argentina.

Otros Logros

Gran Premio de Honor: Salón 2008 Galería ESART – Barcelona – España
Premio de Honor: Salón Punta del Este 2008 - R . O. Uruguay

Sus obras forman parte de colecciones en Argentina, España, Italia, Francia, Holanda, Australia, Japón, China y Américas.

Comentario de su obra
Susana, de Momo, la expresiva representación

Susana d’Momo investiga las posibilidades de la expresión contenida en sus temáticas de animales, figura humana y obras simbólicas; mientras que se interesa por la ubicuidad compositiva y los ángulos inusuales en bodegones.
Su pintura al óleo se basa en un predominio claro del dibujo; para, después, adentrarse en los vericuetos de la elegancia de los rasgos, en el cuidado de los detalles, pero sin pretender esquematizar ni conformar una obra excesivamente barroca.
Su concepto artístico se aproxima a un cierto realismo, de carácter expresivo, que busca la poética del color, la sensualidad contenida de los tonos, la disposición táctica de los rasgos, para llevar a cabo una expansiva remodelación de lo contemplado, buscando aspectos inusuales, casi íntimos, a pesar de que la temática no lo sea en si misma.
Exhibe una clara sensación de libertad, que prevalece por encima de todo, combinada con una cierta ingenuidad fantasiosa, de fondo dulce, de mar contenido, que mece la arena, que se adentra en la costa, pero que posee la elegancia de la discreción.
Profundiza en la mirada de lo interior para ir hacia la formalidad, lo externo, dilucidando sus límites, acariciando zonas de sensualidad controlada, accediendo a la verdadera esencia de los límites, sin sobrepasarlos, sino que pretende alcanzar las playas del buen gusto a partir de la sensibilización de su cromaticidad.
Hay un predominio de los colores suaves, contrastados pero sin repuntes excesivamente rígidos ni exaltados, buscando aquellos más adecuados en cada circunstancia y momento. Serena, equilibrada, busca consolidar una visión de lo contenido, de lo armonioso, en línea con lo circunstancial.
Los extremos se tocan, pero, en su caso, quedan difuminados, dado que trata al bodegón, figura humana, obra simbólica y temática animalística con expresividad contenida, buscando la vertiente más serena, la representación natural de composiciones que poseen un halo de singularidad dentro de su afán por la descripción. En definitiva, transmite una curiosidad innata, un afán por descubrir el más allá de los símbolos, intentando una comunicación sensorial y perceptiva, alejándose del discurso intelectual para emplear las armas estratégicas de la imagen.
Su pintura es fresca, no posee ambigüedad, ni dobles lecturas, sino más bien, una pasión por la expresión, que no desborda los límites del dibujo, sino que establece una relación intima con dicha disciplina.

Joan Lluís Montané
Crítico español de la Asociación Internacional de Críticos de Arte

SITIOS DONDE SE PUEDEN VER SUS OBRAS

http://www.conelarte.com/Susana_Momo/

www.artmajeur.com/susanadmomo

http://susanademomo.artelista.com/

Palacio Errázuriz-Alvear (Museo Nacional de Arte Decorativo)

2009-08-30T01:38:00.010-05:00

Hace pocas semanas atrás visité el Palacio, con todo su esplendor de época, pero que aún hoy deslumbra y se levanta imponente sobre la amplia Avenida del Libertador en la ciudad de Buenos Aires. Miércoles 19 de Ago, 2009

Palacio Errázuriz-Alvear (Museo Nacional de Arte Decorativo)

Por Gloria Mariño,
mailto:aguacateyfresas@yahoo.com.ar
Pintora argentina, Buenos Aires, Argentina.-

El Museo Nacional de Arte Decorativo fue creado en 1937; pertenecía a Josefina de Alvear y Matías Errázuriz, junto con una importante colección de arte. Después del fallecimiento de Josefina en 1935, Matías Errázuriz y sus hijos ofrecieron al Estado argentino la posibilidad de comprar la casa junto con la colección de arte, con la condición de que se destinara a crear un nuevo Museo: el actual Museo Nacional de Arte Decorativo.

El edificio es de estilo neoclásico francés de gran auge en la ciudad de Buenos Aires a principios del siglo XX, se pueden disfrutar los muebles de época, pinturas, esculturas y objetos de arte decorativo justifican sobradamente una visita al lugar.

El Palacio Errázuriz Alvear fue construido entre 1911 y 1917 con la dirección de obra de los arquitectos locales Eduardo M. Lanús y Pablo Hary, rodeado de jardines, es una verdadera obra arquitectónica por donde se lo mire.

Todos los materiales, salvo la mampostería gruesa, fueron traídos de Europa. Los revestimientos de madera, espejos, mármoles, carpinterías, fallebas, molduras, llegaron preparados para su directa colocación en obra y para algunas tareas específicas, como la realización de estucos, vinieron artesanos europeos.

El aspecto externo del edificio es imponente, inspirado en el neoclasicismo del siglo XVIII, en especial en las obras de Jacques A. Gabriel artista de la corte de Luis XV.

Convengamos que el neoclasicismo del siglo XVIII se origina en Inglaterra y Francia dos países que habían sido más reacios a los excesos arquitectónicos del barroco, en Inglaterra y Francia, el Rococó fue sólo un estilo decorativo. Volviendo al aspecto exterior del palacio, son visibles cuatro niveles: el subsuelo tiene ventanas que se abren en el basamento; la planta principal está comunicada con el jardín y la terraza por puertas en arco de medio punto, encima de éstas se abren las ventanas que corresponden a los aposentos; ya en el último nivel, detrás de la balaustrada, se ven las lucarnas de ventilación de las áreas de servicio.

Los salones de la planta principal, destinados a las recepciones, fueron decorados en diversos estilos franceses de los siglos XVII y XVIII, abarcan desde el Barroco al Imperio, pasando por los distintos Luis, excepto el Gran Hall inspirado en los grandes salones característicos de la Inglaterra del siglo XVI en la época de la dinastía Tudor.

En los departamentos privados del primer piso es evidente también el gusto por la decoración francesa en los estilos Luis XV, Luis XVI, la excepción es la sala Art Déco decorada por el artista catalán José María Sert. Hace pocas semanas atrás visité el Palacio, con todo su esplendor de época, pero que aún hoy deslumbra y se levanta imponente sobre la amplia Avenida del Libertador en la ciudad de Buenos Aires, en sus jardines la gente toma café, conversa y ya dentro el visitante logra transportarse al esplendor de una época increíblemente fastuosa, gárgolas, pinturas de la Edad Media, esculturas contemporáneas, conviven rodeándonos de una cultura viva, que nos cautiva…

En esta exposición pude visitar una colección privada de grabados, “De Durero a Picasso: Cinco Siglos de Grabado”, así es como se la llamó.

Un grabado de Durero

Se podían apreciar obras del siglo XV, entre otras, de los alemanes Alberto Durero (Albrecht Dürer) y Lucas Cranach; del siglo XVI planchas de Lucas Vorsterman, Teodoro Bry, etc; del siglo XVII Wenzel Hollar, Claudio de Lorena (Claude Gellée Le Lorrain); del XVIII obras del alemán Georges Schmidt; del japonés Utamaro y del español Francisco de Goya y del siglo XIX trabajos de Honoré Daumier, Henri Toulouse- Lautrec y Pablo Picasso. El proceso del grabado que se mostraba en las obras es artesanal: el artista trabaja en la confección de una matriz para poder trasladar al papel su obra cuantas veces desee. Según el material de la matriz difiere el procedimiento a emplear.

En el grabado en hueco el grabador raspa la matriz de metal con el buril -tallado dulce- , o a punta seca, y en las tallas abiertas deposita la tinta para que con una fuerte presión se traslade luego la imagen al papel como en la obra de Alberto Durero . En el grabado en relieve el material clásico es la madera, de allí su nombre de xilografía. En el tallado por medio de ácidos el más clásico es el aguafuerte: el artista coloca sobre la plancha ácido rebajado con agua –aguafuerte- Esta exposición no fue sólo una variada secuencia histórica sino también un homenaje a los artistas grabadores y a su mundo , a la vez que permite ver la evolución de las imágenes y técnicas del grabado entre los siglos XV y XX.

Enlaces relacionados:

Panamá y su turismo: El Colosal impacto del Museo de Biodiversidad

FUENTE:

Peródico Nuevo Mundo http://periodiconuevomundo.es/2009/08/19/palacio-errzurizalvear-actual-museo-de-arte-decorativo/

A través del graffiti: de la pared a los libros

2009-08-26T12:56:00.004-05:00

El graffiti ha pasado en los últimos tiempos de ser una manifestación callejera marginal a protagonista de los museos, con su consiguiente reconversión en creación plástica (frente al vandalismo anterior). El Artium Vitoria (País Vasco, España) acoge hasta el próximo septiembre una muestra dedicada a explorar la historia de esta técnica, y su evolución, a través de la documentación recogida en sus archivos.Desde que galería y museos se lo disputan como centro de interés y reclamo para visitantes, el graffiti ha adquirido una nueva consideración social, si bien aún causa reparos su estatus artístico. Es, sin embargo, una manifestación que posee un origen, una historia y una evolución en base a un fundamento que va más allá del mero emborronamiento de muros vacíos. La exposición propuesta por el Artium recoge ahora esta complejidad en una muestra que recorre el graffiti desde su nacimiento y su conversión en icono de la cultura del hip hop hasta nuestros días, en los que artistas como Leith Haring o Banksy son más que conocidos por el gran público. Para ello, se ha empleado una selección de más de ciento cincuenta libros de la Biblioteca y Centro de Documentación de Artium que ahora se muestran en exhibición en base a varios ejes temáticos: la presencia del graffiti en el mundo, documentada gráficamente; el auge de la disciplina a finales del s.XX y principios del XXI; las diversas técnicas existentes; los artistas más destacados; la relación del graffiti con otros campos como la música, el diseño o la moda; y la teorización y crítica del graffiti llevadas a cabo por expertos. Todo ello contextualizado, además, por un abundante material audiovisual compuesto por documentales, películas, música y fotografías de graffitis ubicados en la ciudad de Vitoria.

Más información: Artium

FUENTE: Artelista
http://www.artelista.com/articulos/news1573/a-traves-del-graffiti-de-la-pared-a-los-libros.html

DEL GRAFITI AL MURALISMO

2009-08-25T05:59:00.000-05:00

Por Ángel David Guevara Pozas

Como en la mayoría de las ciudades, en México la mayor parte de la expresión en grafiti sólo sirve para ensuciar el, de por sí, no muy estético paisaje urbano y para aumentar la presión sobre el depauperado presupuesto de la población que se ve continuamente obligada a comprar pintura para “resanar” los daños. (GrafMex1)

(GrafMex1)

Bardas públicas o puertas privadas, parecen no importar al grafitero vándalo que, con plena impunidad y cualquier aerosol barato puede contaminar visualmente muchos kilómetros de ciudad. (GrafMex2)

(GrafMex2)

Trazos amorfos sin contenido ni propósito explícitos aparecen “de pronto” sobre cualquier superficie. Limpiar y repintar son dos de las tareas que con inusitada frecuencia deben ejecutar los ciudadanos de la Ciudad de México si quieren vivir en un ambiente visual razonablemente sano. Claro que las únicas beneficiadas son las empresas productoras de pintura que si bien esperarían un cierto volumen de ventas al año, han aumentado significativamente sus expectativas. (GrafMex3)

(GrafMex3)

Aquí entra en escena la dificultad de la definición unívoca para un vocablo. Si grafiti es una “pinta” sobre una barda, con o sin autorización del dueño (Winkipedia, sept 2008) entonces estos llamativos y motivadores promocionales forman parte de un grafiti, sin duda, mucho más deseable que los ejemplos anteriores. (GrafMex4)

(GrafMex4)

Pero no todo es deplorable o publicitario, los amplios espacios verticales que se generan por los pasos a desnivel se convierten en importantes atractores para talentosos artistas populares, convocados o no, que dejan testimonio de una genialidad distribuida tanto en la planeación como en una experta ejecución de obras monumentales que se ofrecen regaladas a espectadores que deberían maravillarse, regodearse en la contemplación. Y que, sin embargo, pasan ciegos, aprisionados en un apresurado hartazgo por los multiplicados minutos que deben esperar para alcanzar el disminuido oxígeno de la siguiente boca del puente. Este es el puente de Avenida Toluca que pasa debajo del anillo periférico. Esta pared está dedicada a la Tolerancia a la diversidad. Vean ustedes la magistralidad en la representación de un ojo que no se sabe si es de hombre o de mujer. ¿Podría pedirse mayor iconicidad? ¿Podría exigirse mayor pericia en el manejo del claroscuro para forzar la tridimensionalidad? Y el lema del mural, ondeando entrante y ondeando saliente: Tolerancia a la diversidad. Me regreso a la izquierda de la mirada serena para centrar la atención del lector en el agrupamiento de razas, intenciones y destinos dentro de un mismo concepto: ¡La huella de la humanidad! Puedo menos que decir que la representación resulta genial por redonda, completa y simple. (GrafMex5)

(GrafMex5)

“Los hijos del maíz” aparece como tema central en la pared de enfrente del mismo paso a desnivel. Los hijos del maíz, siempre asociados con otro de sus grandes benefactores alimenticios: ¡El Maguey! (GrafMex6)

(GrafMex6)

El trabajo intenso, dedicado, compartido sobre la madre tierra es el sustento del desarrollo de un pueblo siempre en ascenso que aporta al mundo música y grandes talentos amalgamados en la representación del siempre admirado Diego Rivera. La imagen femenina oaxaqueña que flanquea al eterno muralista muy posiblemente hace reminiscencia al origen étnico de nuestro excelente grafitero. Lamentablemente el barbarismo trascendente de los desocupados del cerebro ha dejado su huella ofensiva en la obra. Pero no crean que ya terminamos… el centro del mismo graffiti-mural nos muestra el origen de la Ciudad de México. La llegada de nuestros primeros pobladores con un calzón de manta imaginado como vestimenta de aquellos viajeros que, desde Aztlán, llegaron al centro de un país en formación con la promesa de encontrar un Águila sobre un nopal devorando una serpiente. Con el sol azteca enmarcando el suceso, se reproduce con maestría el trascendental encuentro adornado con el inconfundible símbolo de una zona lacustre y, por tanto, extrañamente habitada por la suculenta xerófita de hojas modificadas como espinas. (GrafMex7)

(GrafMex7)

Los hijos del maíz vencidos, avasallados por una conquista que mezcló su genoma y que dio origen a un México pluricultural, cosmopolita, que sigue, aunque quiera a veces negarlo, sustentado en la producción del campo. Con manifestaciones “folclóricas” en realidad impregnadas en las células de sus pobladores. Con una educación masiva que no logra integrar a la mayoría al privilegio del conocimiento y con una idiosincrasia que ha aprendido a reírse de sus desgracias, incluida la muerte que debe su personificación internacional al gran Posadas. Una lástima que obras de este nivel de perfección conceptual y plástica queden a merced de la ignorante vulgaridad de grafiteros baratos. (GrafMex8)

(GrafMex8)

¡Impresionante emergencia de obras pintadas sobre los pilares del distribuidor vial en San Antonio y Alta tensión! Coloridas recreaciones de los Atlantes de Tula. Explícitos vestigios de la grandeza guerrera y artística de nuestros pueblos precolombinos. La evidente maestría del pintor da tridimensionalidad a una superficie que además de plana, es incómodamente circular.(GrafMex9)

(GrafMex9)

Múltiples guerreros de dimensiones colosales reformulan el contexto de un paisaje urbano hastiante de autos y vueltas de rueda. La ruda serenidad en los rostros de piedra sirve de calmante al ánimo desesperado de automovilistas que irán a alguna parte, dentro de algún tiempo no determinado. (GrafMex10)

(GrafMex10)

El manejo del claroscuro y la aplicación de pátinas espatuladas no sólo reproducen la magistralidad de nuestros ancestrales escultores sino la maduración de las obras cuya grandiosidad se justiprecia al paso de los cientos de años. (GrafMex11)

(GrafMex11)

Aislado el sacerdote de Tula para solazarnos con la magnífica recreación del hermoso tocado, enormes arracadas, pectoral y taparrabo. Si pasara mis dedos por los bordes, seguro sentiría los filos de la piedra. ¡No! Sólo es la ilusión lograda por este artista que ya no nos deja pensar en un grafitero sino en un muralista. (GrafMex12)

(GrafMex12)

En el fondo, una simple elevación que cobija instalaciones para la iluminación y que pudo

aprovecharse para representar otra de las manifestaciones de la cultura precolombina ¡Las cabezas colosales de los Olmecas! Bella ¿cierto? (GrafMex13)

(GrafMex13)

La penumbra debajo del puente y su contraste con la brillantez de un cielo despejado, no impide apreciar la maestría de la tridimensionalidad simulada sobre un cilindro liso. (GrafMex14)

(GrafMex14)

Convocado o no, la maestría del artista plástico sorprende a cualquier espectador de esta reproducción de una vasija con un anciano, sus orejeras y gesto noble. (GrafMex15)

(GrafMex15)

Las obras de arte colosales exacerban la dignidad de un paisaje degradado con torpes letreros de “no excavar” al lado de un pilote que fue enterrado n metros hasta encontrar piedra para soporte de un peso tan grande como el de esta majestuosa estructura. (GrafMex16)

(GrafMex16)

Majestuoso como la historia que representa, la imagen de Tezcatlipoca se yergue orgulloso, indomable, enalteciendo un paisaje saturado de trabes que tratan inútilmente de facilitar un tráfico obstinadamente saturado. (GrafMex17)

(GrafMex17)

Permítanme destacar la salvaje nobleza del jaguar mexicano en este detalle del pilote dedicado a Tezcatlipoca. No nos cansaremos de señalar el hiperrealismo en estas obras que alcanzan la justipreciación de muralistas. (GrafMex18)

(GrafMex18)

Es mucho lo que se queda en el tintero, es mucho más lo que hay que recorrer y reportar sobre el arte popular de una ciudad tan rica y policromática como la ciudad de México. Pero hemos logrado una buena muestra de lo que es capaz de realizar un artista cuando planea y ejecuta con dedicación lo que su talento le marca. ¡Ya habrá nuevas oportunidades!

Arte contemporáneo, burbuja del mercado

2009-08-01T05:21:00.001-05:00

Prof. Elsa Sposaro

En ediciones anteriores hemos hecho referencia a las tendencias del llamado “Arte contemporáneo”, y presentamos al grupo Hartista como crítico, fundamentando el sinsentido del rumbo que este “arte” estamba tomando ya hace mucho tiempo.El artista crea, recrea, y es cierto que para ello en el transcurso del tiempo se ha tomado ciertas libertades en la elección de temas, materiales y técnicas. Esto es una cosa, esto es la búsqueda de elementos que mejor permitan la comunicación con el espectador de la obra.El mercado y el arte hoy van de la mano, en una fusión que abunda en trivialidad, dirigido sin duda a desprejuiciados “entendedores de arte”, a que promocionen entre snobistas expendedores de cheques en euros, para adornar sus colecciones privadas y adornar sus salas, como símbolo de status y económico y cultural sin notar la sinrazón del arte contemporáneo.Este tema quizá sea muy controvertido, ya que muchos podrían describir este arte contemporáneo como el tren al que se subieron muchos improvisados vislumbrando “un buen negocio con escasa inversión”.Muchos artistas hoy parecen ser mejores por doblar alambres y ensuciar bastidores, y lo peor es que tienen seguidores, admiradores y compradores.Un viaje al extranjero parece ser la segunda condición para aumentar el nivel artístico de este pseudoartista o “artista contemporáneo”. Sin dejar de participar en las Bienales, donde allí se concentra mayormente la estupidez supuestamente “creativa” y la estupidez compradora. De esto sólo podemos afirmar que la estupidez en este aspecto es universal.Las burbujas tienen poca duración. Esto algún día se ha de terminar. Prefiero pensar que evolucionaremos para mejor, y que este cáncer no seguirá haciendo metástasis.De todos modos, este tema se pretende muchas veces derivar hacia la experiencia y conocimiento o no de los artistas, lo cual creo desacertado.Muchos discuten si la Academia sí o si la Academia no...si es importante el dibujo y la perspectiva o no.Creo que quien quiera acercarse a un hacer cualquiera que este fuera, debe aprender e investigar. El obtener un título académico no implica necesariamente ser artista. Tampoco la frecuencia de las sesiones de pintura en la realización de una obra. Un artista puede, a mi entender, compartir el trabajo que lo sustenta con el trabajo que humanamente lo alimenta, es decir, puede asistir de lunes a viernes a su empleo en un banco o empresa y los fines de semana dedicarlos al Arte. Esto no lo convierte en un artista menor ni a su obra en menos.Muchos llamados “aficionados” son productores de un Arte con mayúsculas y todos sabemos que actualmente muchos “artistas consagrados” no pasan de ser unos “aplastalatas” o realizadores de conjuntos sin sentido con piezas de ferrocarril. También dentro de esta fauna payasesca están los imitadores de locos, o los provocadores, que dejan su “demencia aparente” y se convierten en hábiles matemáticos a la hora de contar dólares por sus chapas retorcidas y pegadas en un soporte.Más que mundo loco, diría yo, mundo vacío, frío, calculador, oportunista, pero sin Arte.Todas las modas pasan, será cuestión de que los verdaderos artistas sigan en la resistencia, creando Arte, aprovechando las ventajas que los materiales artísticos actuales permiten. Pero sobre todo, el aprendizaje, en una institución, en un taller, solos o con guía, pero siempre el acento debe estar en el aprendizaje del oficio. En definitiva el artista, es un obrero de su obra, pero siempre es un aprendiz.Hacer una huelga de Arte sería un contrasentido. Sería inteligente de parte de los artistas, hacer una huelga a las galerías y Bienales, y a los Concursos en los que el artista deba pagar por participar. Quizá sería esta una forma de sanear el ambiente artístico.Este es el mundo en el que vivimos, se puede reproducir la palabra de Cervantes o Shakespeare y no la de un escritor o ensayista actual. Se puede reproducir la “La Mona Lisa” de Leonardo pero no “El final del no sé qué” de Juan Equis (nombre figurado de artista contemporáneo).El Arte sin embargo, sigue viviendo, de la mano de los artistas que sinceramente aman las Artes. Surgirá, emergerá entre esta montaña de latas, inodoros, alambres, tuercas y mingitorios.

Esta burbuja se desvanecerá. Recomendamos: http://www.hartismo.com/hartistas.htm

6° Aniversario de Arteaficción

2009-07-26T15:25:00.000-05:00

Imagen: Cortesía de Xóchitl López

Muchas gracias a todas las personas que con sus aportaciones y su apoyo han hecho posible la existencia de este grupo.

Barbara Wosche

2009-07-23T05:29:00.010-05:00

Artista Invitada

Barbara Wosche nació en 1941 en la cuidad alemana de Dresden.
Realiza estudios profesionales de agricultura, concluyendo la escuela politecnica y dirigiendose al area educacional. Nunca realizó estudios academicos de pintura, más siempre estuvo interesada en las artes visuales.
En 1998 comienza sus primeros intentos con la acuarela. Visita también algunos cursos en la escuela pública VHS con la maestra Anneliese Dorn en Allgäu, Bavaria.

Realiza algunos cursos libres de pintura con la maestra Gisela Stadlberger (Austria)
Se orienta principalmente en la obra pictorica de los acuarelistas: Ekkehardt Hofmann, Horst Weller (Alemania) Bernhard Vogel y Erwin Kastner (Austria).
Desde el 2006 practica de forma autodidacta la pintura acrilica, orientandose en la obra de diferentes artistas como: Oliver Löhr, Kristina Schaper y Ute Zander.

Ha participado en diferentes exposiciones colectivas en la ciudad Bavara de Allgäu al sur de Alemania.

En el 2005 obtiene el 2do premio de acuarela en la exposición "Mediterranea" auspiciada por Friedrich Hechelmann en Isny- Allgäu.

Actualmente se esfuerza entusiastamente por sacar adelante el grupo libre de pintura que fundó bajo el lema:

" Pintando juntos, aprendiendo uno del otro".

Algunas acuarelas de Barbara Wosche:

Girasoles, iris, rosas...

Mario Benedetti

2009-07-23T04:11:00.000-05:00

Por Elsa Sposaro

Compromiso. Palabra olvidada por tantos humanos. Palabra manoseada, ensuciada y mal usada por tantos políticos, médicos, abogados y otros profesionales.
Mario Benedetti, escritor uruguayo hábil y destacado en todos los géneros, es sinónimo de compromiso.
Se ha comprometido como escritor, como ciudadano y como persona. Su compromiso político le ha acarreado muchas dificultades en su vida, así es que sufrió desde persecuciones hasta el exilio.
Fue distinguido con el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana en 1999 y en 1995 con el Premio Internacional Menéndez Pelayo.

Algunas de sus poesías han trascendido a la tinta y al papel y se han convertido en canciones de la mano del cantautor Joan Manuel Serrat o Pedro Guerra.
“Testigo de uno mismo” fue la publicación realizada en agosto de 2008 y se puede definir como una introspectiva de su vida privada y literaria.
Su salud no le ha permitido culminar su última novela. El mundo entero se suma al dolor de su pérdida en este mes de mayo.

Sin duda Mario Benedetti ha sido un hombre cabal, un modelo para seguir en un mundo cada vez más carente de valores.
Su compromiso y su dignidad quedarán como testimonio junto a sus escritos, de que la lucha por la justicia y la igualdad valen la pena.

Boletín Mensual Nº 23 – Año 2
Junio 2009

http://elartedelaesquina.blogspot.com/

Estados de ánimo

2009-07-23T04:04:00.004-05:00

por Elsa Sposaro

A veces me siento
como un águila en el aire.

Pablo Milanés

Estados de ánimo - Elsa Sposaro

***

Unas veces me siento
como pobre colina
y otras como montaña
de cumbres repetidas.

Unas veces me siento
como un acantilado
y en otras como un cielo
azul pero lejano.

A veces uno es
manantial entre rocas
y otras veces un árbol
con las últimas hojas.
Pero hoy me siento apenas
como laguna insomne
con un embarcadero
ya sin embarcaciones
una laguna verde
inmóvil y paciente
conforme con sus algas
sus musgos y sus peces,
sereno en mi confianza
confiando en que una tarde
te acerques y te mires,
te mires al mirarme.

Mario Benedetti

Boletín Mensual Nº 23 – Año 2 Junio 2009

http://elartedelaesquina.blogspot.com/

Mujer

2009-07-23T01:51:00.007-05:00

Obra destacada:

Engel of the Twilight

Tomás Amaya

México

SIEMPRE MUJER

I

Adjetivar es retórica sofista

Lisonja fácil, pueril y vana

Perdido intento que en ti se ufana

Por más vocablos tener en lista

II

Hablar de ti, decir de ti, siempre mujer

Deseada siempre, temida siempre, siempre mujer

Piedra gigante en cesta de mimbre

Beso que llega... para romper

III

Mejor te largues... mejor que llegues

Mujer de arriba, atrás, abajo

Al frente siempre sin más atajo

Que tu mirada... para mover

IV

Si hoy te gozo... ayer te lloro

Púa enmielada que me perfora

Presencia eterna cubierta de oro

Luz de la estrella que lejos mora

V

Con tu amor que da dolor vas a romper

Cada pulgada de mi epitelio con tu presencia

Vacías mi alma si me concentro más en tu ausencia

Arriba, abajo, atrás, enfrente, siempre... Mujer

ÁNGEL DAVID GUEVARA POZAS (2009)

Bodegón con Sandias

2009-07-22T04:46:00.003-05:00

Obra destacada

Autor: Xóchitl López García
Título: Bodegón con sandias
Medidas:70 x 52 cms
Técnica: Pastel
Año: 2009

México

Enlaces recomendados.

2009-07-08T05:15:00.003-05:00

MUSEO DE MUJERES
Un museo dedicado a las mujeres artistas:

http://www.museodemujeres.com/matriz/06_exposiciones.htm

FRIDA KAHLO
Museo en la ciudad Alemana de Baden-Baden
Réplicas de las obras de Frida Kahlo.

http://www.kunstmuseum-gehrke-remund.de/

SONIA FELIX CHERIT

2009-06-15T14:37:00.017-05:00

Artista Invitada

Originaria de Zacatecas, México. Realiza sus estudios artes plásticas en México, Alemania e Italia. Es en Alemania, durante su estancia de 18 años, donde desarrolla su propia técnica a base de diversos materiales naturales dando como ejemplo el barro, la madera, los mosaicos de cristal y mármol que mezcla con pigmentos de plantas y tierras formando relieves, figuras y texturas que reflejan a las mujeres, su tierra y las diosas. Su primera exposición individual fue en Oberaufdorf, Alemania desde entonces ha hecho diversas exposiciones a nivel nacional e internacional que le dio el lugar de la artista plástica zacatecana mujer con más trayectoria a nivel internacional. Del 2001 al 2008 ha realizado más de 40 exposiciones individuales y colectivas en México, Rep. Dominicana, Alemania, Austria, Bélgica, Estados Unidos, etc. Sus exposiciones Individuales más importantes son: Mujeres y Diosas I y II, Madre Tierra, Desierto-Raíces-Mujeres. Reina de la Noche y su Instalación “No más”. Sus colectivas más importantes son “Plástica Contemporánea Zacatecana” en el Museo MoLAA en Long Beach y en el Consulado de México en Los Ángeles CA. con pintores como Rafael Coronel, Manuel Felguérez, Ismael Guardado , etc. Así como “Mujer” en Bruselas, Bélgica para el Día Internacional de la Mujer. La primera mujer muralista zacatecana con su obra “Siempre Vida” en la Universidad Autònoma de Zacatecas

Algunas Obras de Sonia Felix Cherit

"Bailarina del Desierto" (detalle)

"Tres Amigas"

"Siempre Vida"

"Seis Grutas Nocturnas"

" El Collar"

"Bailarinas nocturnas"

"Bailarinas Nocturnas" (detalle)

"Bailarina del Desierto"

ACERCA DE DIOSAS, MUJERES Y VIDA COTIDIANA EN
LA OBRA DE SONIA FELIX CHERIT

Por Francesca Gargallo escritora
Arenas y piedra, cual fueran la carne y los huesos de una madre tierra amada desde la desesperación de la nómada, son los materiales con que la pintora Sonia Félix Cherit expresa la materialidad de su pasión por la forma. Colores áridos, donde el rojo es a la vez sangre y huella del suelo zacatecano, penetran ocres que remiten al desierto y al abandono de cuevas ancestrales y de fábricas que producían aún hace menos de una generación. El dibujo, logrado con mosaicos de técnica bizantina y romana, se extiende sobre piedra y cerámica molidas, mezcladas con barro y arcilla. La historia de la verdadera humanidad, la femenina y alfarera, la de la cocina y el canto, marca toda la obra de esta artista zacatecana que ha estudiado y vivido en Italia y Alemania.
La singular fuerza de la tierra está viva en la voluntad de narrar la violación del desierto y el menosprecio por lo que no puede dominarse de la cultura occidental. Hija de un mago dulcero y de una siria amante del café y del cigarro, Sonia Félix Cherit mira a su tierra desde las colinas de Ravenna y desde el hueco que en su corazón le abren los Alpes, y el semidesierto mexicano, sagrado espacio donde por ocho mil años vagaron centenares de grupos de recolectoras y cazadores, se le vuelve excusa para contar con piedras de mármol y mosaico cristalino el sudor de las minas, la violencia contra las chichimecas, la imposición de un sagrado distinto.
Sus diosas son mujeres y no las llama Venus ni Afrodita. Son las fuerzas primigenias de la justicia y la tierra, del trabajo y el canto, del gesto pleno y la fuerza. Más semejantes a nómadas que con sus cabellos al viento recorren la arena seca donde la mirada se vuelve totalmente transparente, sus mujeres recuerdan los pictogramas de Baja California y Zacatecas, aunque se levantan en el relieve de la piedra cortada según la técnica bizantina. Inserta utensilios de uso cotidiano, que esculpe en arcilla y recuerdan tareas colectivas, en varios cuadros; en otros, rompe la monocromía de las tierras ya no sólo con manchas de sangre, sino con tiras coloreadas de piedras que simbolizan las guirnaldas de las fiestas y la voluntad de diversidad.
Ligada a una gran tradición mexicana de experimentación con materiales naturales y de relieves compuestos, Sonia Félix sostiene su particular expresión sobre la unión de estos dos elementos con una gran discursividad mosaico-pictórica. Siempre narra una vida, la de las mujeres de la tierra; una vida que por la violencia de quien odia la vida misma puede quedar interrumpida en el desierto. O en una calle. O en una casa.

MURAL TERRA DE SONIA FELIX CHERIT

2009-06-15T14:25:00.004-05:00

El Mural Terra preside el teatro al aire libre del Parque de la Encantada, en Zacatecas, cubriendo de mosaico, travertino, hierro oxidado y bajorrelieves más de 100 metros cuadrados de frente y los dos pilares de los lados. Sonia Félix Cherit, quien lo ideó y montó, es casi la única mosaiquista mexicana. Pintora, ceramista y escultora, ha nacido en Zacatecas, y ha estudiado durante las técnicas del mosaico romano y del mosaico alemán contemporáneo en Italia y Alemania. Al volver a su ciudad de cantera rosa, donde empezó muy joven a esbozar una obra plástica que conjunta la afirmación femenina y la pasión por la tierra con una particular búsqueda de la armonía despedazada por las prisas y las contradicciones de la cotidianidad y la tecno-ciencia contemporáneas, asumió la responsabilidad de plasmar una obra original conjugando técnicas bizantinas y cerámica mexicana, mosaico y dibujo, mármol rojo y hierro oxidado. Para elaborar el mural mosaico Terra para el Parque de la Encantada, donde de niña gozaba de la escasa agua libre de los alrededores, realizó previamente ocho propuestas acerca de la naturaleza del lugar y de la necesidad de conservar el equilibrio ecológico del planeta. Con el apoyo de su sobrina, la diseñadora Mónica Yazmín Gamboa Félix, elaboró de forma muy artesanal una serie de bocetos sobre la tierra en su equilibrio cósmico y su capacidad de generación, regeneración, estallido de la vida en sus diversas expresiones. Durante el invierno 2008-2009, el tiempo trascurrió vertiginosamente en su taller, donde labró más de mil placas de travertino con motivos cósmicos y representaciones animales y simbólicas, así como cortó personalmente mármol y cristal con “martellina” y “tagliolo”, un martillo y una cuchilla que se usan para fabricar los mosaicos desde hace más de 2000 años. Sonia Félix alistó y llenó su estudio de piezas para instalar en un escenario a la vez popular y natural una inmensa representación de los elementos de la tierra y el universo. Se abocó a la idea plástica de un equilibrio entre diferentes que conforman la unidad del todo: desde un lago primigenio, el cosmos une y enlaza las vetas de la tierra y las rutas planetarias, los colores y los materiales que son tierra en sí, y representan los pigmentos y las fuerzas de la pulsión reproductiva y expectante de la vida mineral, vegetal, animal y humana. A pesar de que en Zacatecas no contara con trabajadoras y trabajadores plásticos y del campo de la albañilería que tuvieran experiencia en la instalación de mosaicos (y con algunos hombres muy reticentes a aprender de una mujer), dio clases de composición e instaló su proyecto plástico durante más de 8 horas diarias sobre andamios con herreros y albañiles. Algunos desertaron, pero los y las más entusiastas comparten ahora con ella la dicha de ver una obra monumental de extraordinario valor plástico en el escenario de sus paseos dominicales. El Mural Terra, un políptico de cinco piezas en diferentes niveles, da vida a una galaxia-lago en semi-círculo que alberga vetas minerales como vaginas universales, y placas de metlapil en cuyos relieves se distinguen dos vulvas madres cósmicas. En el labrado del travertino que, en el panel de la derecha del mural, representa el lado de la tierra como planeta de agua, aire, tierra y fuego, se encuentran animales en extinción en Zacatecas: esa águila real que forma parte del escudo nacional, y el oso negro, los perritos de la pradera, los coyotes. También están representadas figuras humanas, peces, reptiles, plantas, arboles, aves y una diosa madre del universo, que es la diosa de Laussel, un bajorrelieve en roca realizado por una comunidad entera entre 22000 y 18000 años antes de la era cristiana. En esta como en la anterior obra monumental de Sonia Félix Cherit, la singular fuerza de la tierra está viva en una voluntad divina y femenina de narrar lo terrible y lo cósmico, el amor y la destrucción en una rebelión plástica magistral contra el menosprecio por lo que no la cultura occidental no puede ni dominar ni entender. Hija de un mago dulcero y de una siria amante del café y del cigarro, Sonia Félix Cherit de hecho mira toda la tierra como su tierra, aquella a la que pertenece desde las colinas de Ravenna y por el semidesierto mexicano, sagrado espacio donde por ocho mil años vagaron centenares de grupos de recolectoras y cazadores. Por ello cuenta el anhelo de armonía del cosmos con piedras de mármol y mosaico cristalino, así como relata el sudor de las minas y la mirada de las astrónomas chichimecas, la transparencia del aire, la vida del agua, el poder del fuego y la tierra sagrada. El llamado a la conservación de las especies, entre ellas la humana, y al cuidado del medio ambiente, es explícito, un mensaje expreso, en este mural vibrante, matérico al punto de desbordar en lava, y sin embargo ígneo y aéreo hasta la transparencia. La referencia a la armonía del universo en Mural Terra no sólo es narrativa, implica la perfecta distribución de los elementos plásticos, la combinación de técnicas y materiales, la suma equilibrada de metales, mosaico y bajorrelieve en un diseño ambiental que se ensancha en el espacio que rodea los tres muros sobre el que se apoya. Francesca Gargallo, crítica de arte, escritora y filosofa.

Ligth Graffiti

2009-06-14T14:34:00.001-05:00

Video sobre el Ligth Graffiti:

Light Graffiti: la nueva tendencia del arte urbano- Watch more Videos at Vodpod.

Pablo Picasso

2009-06-14T05:27:00.000-05:00

En este video podremos deleitarnos con algo de la obra de Pablo Picasso. Pintor español nacido en Málaga en 1881. Murió en 1973.

Zona MACO

2009-06-13T13:52:00.002-05:00

México Arte Contemporaneo

Es la feria más importante de Latinoamerica.

He reunido estos videos para que podamos hacernos una idea de lo que trata la feria y entender un poco más el arte contemporaneo, el arte que hoy en día se esparce por el mundo a través de las ferias internacionales como son: Art Basel, Art Forum Berlin, London Art Fair, Arco Madrid, ArteBA Buenos Aires, entre otras. Donde principalmente se puede apreciar el arte conceptual.

http://www.macomexico.com/espanol/index.html

CLARA RODRIGUEZ

2009-05-18T07:56:00.000-05:00

Artista Invitada

Nombre: Clara Rodríguez.
Nacionalidad: española.
Lugar de residencia: Madrid.

Clara Rodríguez nos cuenta su experiencia:

Me llamo Clara Rodríguez y nací en Madrid, donde llevo viviendo toda mi vida. En el año 2004 descubro mi vocación artística gracias a una terapia anti-stress. Soy una pintora autodidacta que lo único que intento es expresar en mis obras mi realidad interior, mis sentimientos, mis vivencias; en fin, todo mi universo por medio de los colores de la vida. En mis trabajos intento plasmar un mensaje de optimismo en la vida y en las gentes, por eso en mi paleta están los colores más alegres y brillantes que puedo encontrar. Espero que a través de estas imágenes podáis sentir, como yo siento, la alegría de vivir.

Algunas obras:

EXPOSICIONES

- 2004.Centro Cultural de la Junta Municipal de Ciudad Lineal de Madrid.
- 2004.Feria Servi-Todo del Corredor del Henares en Torres de la Alameda (Madrid)
- 2004. Feria de Artesania y Antigüedades de Perales de Tajuña (Madrid)
- 2005."Jamaica", Alcalá de Henares (Madrid)
- 2005."Jamaica", Centro Comercial Corredor, Torrejón de Ardoz (Madrid)
- 2005. Feria Servi-Todo del Corredor del Henares en Torres de la Alameda (Madrid).
- 2006. Seleccionada en el II Certamen Internacional de Pintura Naïf, y exposición colectiva en el Centro Cultural Galileo Madrid.
- 2006-2007. Exposición en el Teatro Madrid (Av. de la Ilustración, s/ n Madrid), del 17 de noviembre de 2006 al 7 de enero de 2007.
- 2007. Exposición individual en la Casa de la Cultura de Navalcarnero (Madrid) situada en la calle Libertad nº 31, desde el 23 de julio al 10 de agosto de 2007. La exposición llevará el título "Espíritu Naïf".
- 2007. Exposición colectiva durante la Semana Cultural de Torres de la Alameda (Madrid), durante los días 22 de septiembre al 12 de octubre, en el Centro de Mayores "Monte Alto".
- 2007. Seleccionada en el III Certamen Internacional de Arte Naïf, y exposición colectiva entre el 6 de noviembre de 2007 y el 7 de enero de 2008, en el Centro Cultural Galileo (c/Galileo, 39) Madrid.
- 2008 - Seleccionada en el VIII Concurso de Pintura "Mujer en el siglo XXI", organizado por la Concejalía de Igualdad del Ayuntamiento de Velilla de San Antonio (Madrid), y participación en la exposición colectiva organizada a tal efecto durante el mes de marzo.
- 2008 - Exposición individual en el Ayuntamiento de Torres de la Alameda (Madrid), durante los meses de abril y mayo.
- 2008. Participación en la IX Edición de FAIM (Feria de Arte Independiente de Madrid) durante los días 22, 23 y 24 de noviembre en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid.- 2009. Seleccionada en la IX Edición Premio de Pintura "Mujer en el Siglo XXI", organizado por la Concejalía de Igualdad del Ayuntamiento de Velilla de San Antonio (Madrid), y participación en la exposición colectiva organizada a tal efecto durante el mes de marzo.

PUBLICACIONES:

- Catálogo del II Certamen Internacional de Pintura Naïf. (2006)
- Catálogo del III Certamen Internacional de Pintura Naïf. (2007)
- Catálogo de la IX Edición de la Feria de Arte Independiente de Madrid. (2008)

Más de la obra de Clara Rodriguez aquí:

www.espiritunaif.org

Henri Rousseau

2009-05-17T14:45:00.000-05:00

"El aduanero"

Pintor post-impresionista francés (1844-1910).

Uno de los representantes del arte Naif

Arte naïf

2009-05-17T13:52:00.000-05:00

Arte naïf

La denominación naíf (del francés naïf = ingenuo) se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastantes, y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.

Concepto
El concepto naíf del francés naïf o naïve alude no solo a cierta ingenuidad que, aplicada en el arte, se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suelen faltar un sistema de perspectivas o una línea de fuga así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático. En tal sentido lo naïf se ha asociado, en muchas ocasiones exageradamente, con el heterogéneo conjunto mal llamado "arte primitivo" y con el "arte infantil"; como quiera que sea, en francés el concepto de lo naïf y de la naïveté no solo se circunscribe a lo ingenuo y la ingenuidad sino también a una grata sencillez que, en el arte, se trasunta por un evitar rebuscamientos o sofisticaciones. En este sentido lo naíf puede estar dado por dos motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ignorancia ("ingenuidad") respecto a las técnicas y teorías para realizar obras de arte y en segundo lugar por una búsqueda (consciente o no) de formas de expresión que evocan a la infancia y en tal caso la sencillez aparente es un elaborado esfuerzo de evocaciones, en el segundo de los casos para que el naïf sea auténtico la intención prístina ha de ser precísamente expresar formalmente lo que evoque a una infancia supuestamente ingenua, este punto es clave: un arte pseudonaíf revela un objetivo materialista comercial dedicado a un público target que puede ser potencial comprador.

Motivos
Aunque el genuino naíf por definición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión, representados siempre con gran imaginación y vivacidad. Por extensión suele darse impropiamente el nombre de "arte naïf" a aquel en que intencionadamente se emulan aspectos del arte naíf propiamente dicho (el arte espontáneamente ingenuo).

Historia
El interés por la frescura y el lirismo, se desarrolla primero mayormente en Francia a fines del siglo XIX, de la mano de artistas como el "aduanero" Henri Rousseau que influye en la pintura presuntamente naïf de Grandma Moses en Estados Unidos y Alfred Wallis en Inglaterra. En Argentina, coetáneo al francés Rousseau, Cándido López llegó a una expresión formal muy próxima al naíf aunque ambos pintores jamás tuvieron conocimiento de sus respectivas vidas y obras y por ende no hubo influjo mutuo, otro ilustrador argentino que ha sido incluido frecuentemente en este estilo es Florencio Molina Campos.

El naïf propiamente dicho se suele encontrar en ciertas pinturas populares o folclóricas, de estas las más conocidas durante el siglo XX se han producido en Haití y en Croacia, siendo en Croacia conocidos sus autores. En Bulgaria Radi Nedelchev se ha conocido como el representante del arte naíf.

FUENTE: Wikipedia
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_naÃ¯f

Bethoven y el Himno a la Alegría

2009-05-14T15:17:00.000-05:00

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Nacido en la ciudad de Bonn, Alemania.

Nuestro tributo a la paz y al amor con este tema musical.

Acompañando este tema con la versión de Miguel Rios:

Aquí el texto:

Escucha hermano la canción de la alegría,
el canto alegre del que espera
un nuevo día.
Ven canta, sueña cantado
vive soñando el nuevo sol.
en que los hombres
volveran a ser hermanos.
Ven canta sueña cantado
vive soñando el nuevo sol
en que los hombres
volveran a ser hermanos.

Si en tu camino solo existe la tristeza
y el llanto amargo
de la soledad completa,
Ven canta, sueña cantado
vive soñando el nuevo sol
en que los hombres
volveran a ser hermanos.

Si es que no encuentras la alegría
en esta tierra
buscala hermano
más allá las estrellas,
ven canta, sueña cantado
vive soñando el nuevo sol
en que los hombres
volveran a ser hermanos.

Miguel Ríos nació en Granada, España, el 7 de junio de 1944.

MARIO MORASAN - ESCULTOR

2009-04-24T13:26:00.010-05:00

Artista Invitado

Nació el 12 de Octubre de 1954, en Concepción del Uruguay, provincia de Entre Ríos, República Argentina. Expone desde 1985, en forma individual y grupal, realizando muestras en Argentina, Uruguay, Chile y Brasil.

1991 y 1994 - Es profesor de Taller en la “Especialidad Escultura”, en el profesorado de Artes Plásticas “Cesáreo Bernaldo de Quiróz”, Concordia, Entre Ríos.

1995 - Ensayo sobre “Escultura Pública” en el panel de Imagen Urbana. Presenta - Plan de Desarrollo Urbano de Concepción del Uruguay Primer Premio de Escultura en el XXXII. Salón Anual de Artistas Plásticos de Entre Ríos, Paraná, Entre Ríos.

1996 - Primera Mención en el Concurso Regional de Anteproyecto Monumento Recordatorio al Dr. José Benjamín Zubiaur, Concepción del Uruguay, Entre Ríos.

1997: Se emplazan, en el Rectorado de la Universidad Nacional de Entre Ríos (UNER), dos murales de hierro en relieve de 3,50 X 2,40 mts. cada uno.

1998 - Primer Premio de Escultura en el XXXV. Salón Anual de Artistas Plásticos de Entre Ríos, Gualeguaychú, Entre Ríos. Primer Premio en escultura y el Gran Premio de la “II Bienal Internacional de la Costa”, (República Argentina / República Oriental del Uruguay), Concepción del Uruguay, Entre Ríos. LXXV. Salón Anual de Santa Fe (Nacional), Santa Fe.

1999 - Dirige un taller abierto de escultura en el Profesorado de Artes con Orientación en Lenguaje Visual del Instituto “Dra. Carolina Tobar García”, C. del Uruguay, Entre Ríos. Premio “Comisión Técnica Mixta de Salto Grande” en la “IIIº Bienal Internacional de la Costa”, (República Argentina / República Oriental del Uruguay), Paysandú, R.O.U.

1999: LXXXVIII. Salón Nacional de Artes Plásticas, La Plata, Buenos Aires, Argentina.

2000 - Dirige el taller de escultura en la “Escuela Municipal de Cerámica”, Concordia, Entre Ríos.

2001- Mención Especial del Jurado en la Sección escultura el XXXVIII. Salón Anual de Artistas Plásticos de Entre Ríos, Paraná, Entre Ríos.

2002 - Desempeña tareas docentes en el taller de escultura del Instituto Superior de Arte (ISA) de la ciudad de Gualeguaychú, Entre Ríos.

2003: 1° Encuentro Internacional de Escultores Gualeguaychú, Entre Ríos, Argentina.

2004 - Dicta un taller de “Engobes Cerámicos” en el Instituto Municipal de Bellas Artes (IMBA) de General Roca, Río Negro.

2005 - Dicta un taller de “Vaciado Escultórico en Poliéster” en Temuco, IX Región, Chile. Ese año también es ayudante de cátedra en el taller de escultura del “Programa Educacional para Niños con Talentos Académicos” (PROENTA), en la Universidad de la Frontera (UFRO) de Temuco, IX Región, Chile. Dicta el curso “Identidad Urbana – La Escultura en los Espacios Públicos”, en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad (UCU) de Concepción del Uruguay.

2006: 1º Encuentro Internacional de Escultores Temuco 2006, Temuco, IX Región, Chile.

2008: Mención en el IIº Concurso Nacional de Tallistas - Fiesta Nacional de la Artesanía. Colón, Entre Ríos. 4º Salón Nacional de Artes Visuales 2008, “Ciudad de Cipolletti “, Río Negro.

2009: 1º Premio en el IIIº Concurso Nacional de Tallistas - Fiesta Nacional de la Artesanía. Colón, Entre Ríos.

Algunas obras:

Mario Morasan.

Concepción del Uruguay, Provincia de Entre Ríos, Argentina.
Web: http://www.artmajeur.com/mariomorasan/

http://mariomorasan.artelista.com/

La Maza

2009-04-23T15:20:00.000-05:00

Un hermoso tema músical para compartir:

Curso de Pintura

2009-04-22T05:14:00.003-05:00

Para los que iniciamos, este es un video muy interesante sobre la mezcla de los colores.

Vincent van Gogh

2009-04-20T13:53:00.004-05:00

(Groot Zündert, Brabante neerlandés, 1853 - Auvers-sur-Oise 1890)

Vincent Willem van Gogh, pintor holandés y figura destacada del Postimpresionismo. Hijo de un pastor protestante y sobrino de ricos comerciantes de cuadros, en 1869 entró como dependiente en la sucursal en La Haya de la galería Goupil de París. En 1873 fue trasladado a la sucursal de Bruselas y luego a la de Londres. Aquí sufrió una primera crisis moral, provocada al parecer por su fracaso amoroso con la hija de su patrona, Ursule Loyer. Pidió el traslado y se instaló en París en 1875. Su misticismo se exaltó en contacto con un colega, el inglés Gladwell, y comenzó a trabajar irregularmente. En la primavera de 1880, agotado, permaneció breve tiempo en Etten. Durante este período se escribió con su hermano pequeño el cual le prestó dinero y le animó a perseverar en el arte , ya que en los dibujos que le había remitido había descubierto unas dotes poco comunes, esperando además que esta actividad pudiera centrarle. Vincent aceptó el apoyo de su hermano y marchó a Bruselas a perfeccionarse en el dibujo . Luego volvió a Etten; pero su carácter intratable hacía difícil la vida en la casa paterna, tanto más cuanto se enamoró de su prima Kate. Esta se retiró en La Haya, pero Vincent la siguió y la amenazó con quemarse una mano si no le permitía verla.

Conoció entonces a una prostituta, Sien, cuya miseria le conmovió y vivió con ella y con sus hijos, y creyó haber encontrado la felicidad. Dibujaba con ardor y comenzó a pintar. Tiempo después, Vincent rompió con Sien y marchó a la región del Drenthe, donde pintó numerosos paisajes; después regresó a casa de su padre, que entretanto había sido trasladado a Nuenen; su padre murió en 1885. Van Gogh se hallaba entonces en pleno período de producción y realizó su primera gran composición, Comiendo patatas, precedida de muchos bosquejos. Consciente de las insuficiencias de su técnica, se inscribió en la academia de Amberes, pero no pudo amoldarse a la disciplina pedagógica, y, en febrero de 1886, llegó a París sin haber prevenido a su hermano.La evolución de Van Gogh está testificada por su pintura, hasta ahora sombría y pesada, que se aclara al descubrir la obra de los impresionistas, de los que Théo empezaba a vender cuadros. Trabajó en el taller de Cormon e hizo amistad con Emile Bernard, Tolouse-Latrec y Gaugin.En París pintó unos doscientos lienzos, de factura cada vez más libre, paisajes de Montmartre y de Anières, y veintitrés autorretratos. Su carácter hosco hacía difícil la convivencia con él, y su hermano le aconsejó que se fuera al Sur de Francia, donde encontraría la luz intensa que por entonces buscaba a través de las estampas japonesas.Fue a Arles en 1888 y comenzó a trabajar, pero la soledad le pesaba, y proyectó organizar un taller colectivo, en el que sus amigos pudiesen pintar junto a él. Logró que su hermano comprara algunos cuadros a Gauguin, para que éste pudiese ir a instalarse con Vincent en Arles. Gauguin llegó en octubre; pero las desavenencias entre los dos artistas llegaron a ser tan violentas que Van Gogh intentó golpear a Gauguin y se cortó el lóbulo de una oreja. Tras la marcha de Gauguin llegó Théo, que hizo ingresar a su hermano en un hospital de Arles. En mayo de 1889, Vincent pidió ser internado en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole. Allí continuó trabajando encarnizadamente y sufrió sus crisis más graves, una forma de epilepsia hereditaria. En Provenza pintó más de doscientos cincuenta retratos (Autorretrato con la oreja cortada, La artesiana, Roulin, en cartero) y paisajes (El puente del Inglés en Arles, El olivar; El campo de trigo amarillo) e hizo numerosos dibujos a caña. En mayo regresó a París y fue a instalarse en Auvers-sur-Oise, donde residía el doctor Gachet, que Pisarro había recomendado e Théo. El médico le recibió muy bien pero las relaciones se enfriaron pronto.

Fuente: Artelista

Los maestros del arte están en artelista.com

Daniel Caro

2009-03-17T11:56:00.005-06:00

Artista Invitado

Nombre: Daniel Caro Gardeazábal

Nacionalidad: colombiana

País de residencia: Colombia

***

Breve Biografía:

Nace en Bogotá, Colombia en 1986. Su trabajo lo ha basado en el "ensayo y error", siendo sus maestros los libros y la experiencia, aunque indudablemente la asistencia durante poco tiempo a un taller de arte le ayudó a entender mejor algunos elementos propios del dibujo y para participar en su primera exposición colectiva en Colombia y la segunda en su camino como artista, siendo su primera exposición colectiva en España.

Empezó a trabajar con los óleos a finales de 2008, teniendo hechos menos de una decena de óleos hasta el día de hoy, pero que trata de mejorar con cada nuevo trabajo. En la pintura al óleo no ha tenido ningún tipo de instrucción, por lo que cada nueva pintura es una experiencia para la comprensión de la técnica. A pesar de haber empezado a trabajar en la elaboración de piezas artísticas desde hace tan poco tiempo (al rededor de 2 años apenas) y de contar con 22 años, ya ha tenido exposiciones en España, Uruguay, Argentina y Colombia, y ha tenido algunos reconocimientos en concursos en los que ha participado.

Arteaficción entrevista a Daniel Caro

1. Desde cuando empezaste a dibujar y/o a pintar ?
He dibujado desde muy niño, aunque a esa edad uno no piensa que en lo que se hace puede llegar a ser arte, o que uno puede seguir una profesión como artista. Realmente el dibujo con intención artística lo empecé en 2007, y la pintura a finales de 2008. Nunca pensé en ser artista, simplemente el arte fue llegando poco a poco a mi vida hasta convertirlo en lo que quiero hacer el resto de mi vida.
2. Cómo defines tu estilo?
Mi estilo podría definirlo entre hiperrealismo y realismo. Por comodidad y espacio, trabajo basado en fotografías llegando a veces a resultados realmente buenos y mis trabajos podrían confundirse en ocasiones con fotos, por lo que se trataría de hiperrealismo para muchos. Otros trabajos no centrados tanto en el detalle o basados en objetos al natural y no en fotografías, los consideraría como realismo.
3. Qué es lo que te inspira al dibujar/pintar?
Aunque ahora estoy llevando a cabo unos proyectos de juegos visuales dentro del hiperrealismo, lo que realmente me inspira y me alienta a dibujar y pintar, es en la mayoría de los casos la misma naturaleza y la forma como la vemos. Es decir, los brillos, reflejos y texturas de los objetos que vemos a diario, siempre han generado en mi la necesidad de hacerlos o plasmarlos en un papel o en el lienzo. Es un llamado que me hace la naturaleza para imitarla y representarla, sencillamente es algo a o que no me puedo resistir, y en muchos casos son cosas muy vanales pero atractivas, como lo podría ser las arrugas de una bolsa o la textura de una fruta.
4. Qué se necesita para lograr una buena obra ?
Una buena obra se basa en muchas cosas que se juntan para crearla. En principio diría que la técnica sin importar el estilo en el que se pinte. Sea lo que sea que queremos hacer, necesitamos tener cosas básicas en cuanto a lo visual y el tratamiento de la obra, como por ejemplo el correcto uso de los inplementos. Eso es algo que los espectadores y los mismos artistas valoran mucho de una obra. Yo podría decir que las obras de arte como pinturas y dibujos, al entrar por los ojos, lo que primero medimos de ella es la calidad técnica como tal, su ejecución. Después viene la idea y su composición, que también tiene mucho peso a la hora de calificar una obra de arte. Sin embargo, si una pintura no tiene un nivel mínimo de calidad técnica en su ejecución pasará desapercibida, perdiendo a su vez la intención con la que se hizo, ya que el receptor del mensaje pasará por alto esa obra y pasará a ver la siguiente.

5. Lo que la gente opina de tu obra es importante para ti ? influye esta opinión en tu trabajo ?
Definitivamente si. Para mi es importante saber si las personas entienden y les agrada lo que hago, ya que las obras de arte deben ser públicas, y debe ser del agrado e interés de todos. Esto no quiere decir que si alguien no gusta de lo que hago, vaya a cambiar mi estilo o forma de trabajo para que le guste, lo que quiero decir es que los artistas debemos trabajar no por cambiar nuestra forma de trabajo sino imponerla y demostrar que lo que hacemos puede ser interesante y trascendente.
6. Qué es lo que pretendes expresar con tu arte?
Al considerar el arte como algo público y que debe ser para todos y no sólo para unos cuantos, mi intención es lograr un gusto y atractivo visual al tener primer contacto con la obra. Entre mis proyectos a futuro, está expresar algo muy importante para mi y que quiere salir, y es la soledad. Espero en el futuro poder expresar este sentimiento como deseo, generando en las personas que ven las obras, esa sensación que tengo yo por dentro.
7. Un consejo para las personas que empezamos a dar nuestros primeros pasos en el mundo del arte ?
Lo primero que puedo recomendar a las personas que empiezan, es no perder el ánimo al empezar a pintar o dibujar. Personalmente, me he enfrentado muchas veces a el desánimo de no encontrar la forma de dibujar y sobre todo, pintar, lo que quiero. Cuando empecé a pintar con óleos, pensé que no sería capaz porque los primeros resultados no eran buenos y pensé en especializarme en dibujo, pero explorando y trabajando, me di cuenta que el arte es sólo práctica y paciencia para ir encontrando la mejor forma de trabajo, y la más correcta. Lo importante es no perder la intención de lograrlo. Otra parte fundamental considero que es no sólo practicar sobre el papel o lienzo, sino educar el ojo. Creo que una persona puede mejorar considerablemente su técnica y habilidad dedicando tiempo a observar y decifrar la naturaleza, que trabajando todos los días sobre un papel. Saber ver, es saber dibujar, el secreto no está en las manos sino en los ojos.

Daniel Caro Gardeazábal participará en la exposición colectiva "10x10" que reúne obras de no más de 10 cm2 por obra. Daniel participa con dos miniaturas formando un díptico de 10 x 20 cm. La exposición cuenta con obras de artistas de todo el mundo, y tendrá lugar en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, a finales del mes de marzo.Hollywood in Cambodia
Thames 1885
Exposición ÚNICAMENTE los días 28 y 29 de marzo de 200915:00 a 21:00 hs.Buenos Aires, Argentina
ENTRADA LIBRE

Correo electrónico: danielgcg@gmail.com
Página web: http://www.artedanielcaro.com/

Las Meninas

2009-03-15T15:44:00.005-06:00

Este video describe el famoso cuadro "Las Meninas" del artista sevillano Diego Velazquez, pintado en 1656.

Actualmente esta magnifica pintura se encuentra en el Museo de Prado de la Ciudad de Madrid, España.

Paul Klee

2009-03-15T04:37:00.002-06:00

Paul Klee

Presentación y selección de Elsa Sposaro

"Dejo ahora el trabajo. Me he compenetrado del ambiente de una manera tan suave, que, sin esforzarme, me siento cada vez más seguro. El color me domina. No necesito ir en busca de él. Me posee, lo sé bien. He aquí el sentido de este momento feliz: yo y el color somos uno. Soy pintor".

Paul Klee

Red bridge-Paul KleeRed bridge-Paul Klee

Red bridge-Paul Klee

Paul Klee pintor suizo, acuarelista y aguafuertista, considerado como uno de los representantes más originales del arte moderno nació el 18 de diciembre de 1879, en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza. Ciudadano alemán, Klee vivió la mayor parte de su vida en Suiza. Su padre fue músico y profesor de la escuela estatal de Berna, en Hofwil, adonde se trasladó al casarse con una estudiante de canto nacida en Basilea. Paul Klee a los siete años es un eximio violinista, y a los once integra la Orquesta de la Sociedad Musical de BernaEn 1898 se trasladó a Munich y estudió arte en la Academia de Bellas Artes de la ciudad. Sus primeros trabajos fueron estudios para paisajes realizados a lápiz que muestran la influencia del impresionismo.En 1906 se casa con Lily Stumpf, una pianista a la que había conocido siete años antes. Expone sus grabados por primera vez en Munich.En 1911 entró en contacto con August Macke y Wassily Kandinsky, promotores, junto con Franz Marc, de El Jinete Azul. De este grupo nacerá la abstracción de Kandinsky.Hasta 1912, realizó incluso aguafuertes en blanco y negro; las insinuaciones de fantasía y sátira de estos trabajos muestran la influencia del expresionismo del siglo XX, así como de los maestros grabadores Francisco de Goya, y William Blake.Realizó un viaje a Túnez, África en 1914 y descubrió la grandiosidad del color. Llegó a declararse “poseído por el color”. Sus pinturas y acuarelas mostraron el dominio de unas armonías cromáticas delicadas y de ensueño, que generalmente usó para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las asemejan a mosaicos.

Paul Klee - "On a Motif from Hamamet" - (1914)
Tempera on board - Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland - Image Copyright � (cf. Olga's Gallery)

La Primera Guerra Mundial no interrumpe su carrera; aunque se le llama a filas, no se incorpora hasta 1916, y siempre en cómodos puestos de retaguardia. Su obra, de hecho, conoce un rápido éxito comercial durante los años de la Guerra, y corre mejor suerte que la de sus amigos Marc y Macke, caídos en el frente.
Después de la guerra participa de forma activa en el Consejo de Artistas de la efímera república comunista proclamada en Baviera. Esta breve experiencia le acerca a las posturas que reclamaban el protagonismo de los artistas modernos en la formación de artesanos y profesionales dedicados a la producción de objetos de uso.

Autorretrato, 1919, Óleo sobre yute- Paul Klee

Entre 1920 y 1931 trabaja como profesor en la Bauhaus, la escuela alemana de arte más vanguardista, junto a otros arquitectos y artistas como el pintor ruso Wassily Kandinsky, y el pintor y diseñador húngaro Laszlo Moholy-Nagy.

“Il giardino del templo” Acuarela, 1920

Carnival in the mountains (1924)- Paul Klee

En Pedagógico Sketchbook (1925), uno de sus importantes ensayos sobre teoría del arte, Klee ha tratado de definir y analizar los principales elementos visuales y las formas que podrían aplicarse. In 1931 he began teaching at Dusseldorf Academy, but he was dismissed by the Nazis, who termed his work "degenerate." En 1931 comenzó a enseñar en la Academia de Dusseldorf, pero fue despedido por los nazis, que denomina su obra "degenerada".

“Simbad el marino” 1928. Óleo sobre yute-Paul Klee

En 1933, Klee fue a Suiza.There he came down with the crippling collagen disease scleroderma, which forced him to develop a simpler style and eventually killed him. In 1933, Klee went to Switzerland.
Desde 1935, afectado una esclerodermia, y se ve obligado a usar un estilo más sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados. Sus temas artísticos durante este periodo adoptaron un tono pesimista.Con pequeños altibajos, su producción continúa. Algunas obras aluden a la hostilidad de los tiempos, pero dominan los cuadros en los que el color y el componente gráfico se aúnan en característicos pictogramas que guardan cierta similitud con los jeroglíficos.En Alemania las cosas empeoran; aunque la difusión de su obra en Francia, Inglaterra y los Estados Unidos crece de forma imparable, los nazis incluyen una buena representación de sus dibujos y pinturas en la exposición Arte degenerado, de 1937. Los últimos cuatro años de su vida son una lucha constante contra las dificultades burocráticas y contra la enfermedad, que acaba por vencerlo en un sanatorio de Locarno en 1940.Klee murió en Muralto, Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940. Sus cenizas no pudieron reposar en el cementerio de Berna, su ciudad natal, hasta seis años más tarde, tras la muerte de su mujer.
Su obra influyó en los surrealistas posteriores, así como en los artistas no objetivos, y fue una fuente de inspiración fundamental para el nacimiento del expresionismo abstracto.Sin duda Paul Klee tenía un estilo artístico específico, creó una serie de obras famosas por parecer imágenes de ensueño fantástico, ingenio e imaginación. Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales. Podemos definirlo como pintor, grabador, músico y maestro.David Diamond (1915-2005), compositor estadounidense creó una obra como The World of Paul Klee (1957), compuesta de cuatro movimientos inspirados en cuadros del pintor suizo.

Centro Paul Klee de Berna- arquitecto Renzo Piano

Fuente: El Arte de la Esquina

http://elartedelaesquina.blogspot.com/

Boletín Mensual Nº 12
Julio de 2008

Curso de Dibujo y Pintura

2009-03-14T15:06:00.004-06:00

Continuamos con nuestro curso de dibujo y pintura. En este caso se explicará el uso del pastel.

Wolfgang Amadeus Mozart

2009-03-14T06:25:00.001-06:00

Tema Musical para disfrutar.
" Eine Kleine Nachtmusik"
Romance Andante.

Manuel Álvarez Bravo

2009-03-14T05:42:00.002-06:00

Retrato de lo Eterno

1935

La Hija de los Danzantes

1933

Centro Fotográfico de la Imagen, Oaxaca de Juárez

Manuel Alvarez Bravo, nació en Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.

Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacto. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.

Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera, Pablo O'Higgins, entre otros. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacia el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, con una visión que va más allá de una simple documentación, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.

En 1930 Tina Modotti fue expulsada de México por sus afiliaciones comunistas, y le heredó a Álvarez Bravo su trabajo en la revista Mexican Folkways fotografiando a los muralistas de la época.

Ese mismo año se volcó por completo a la tarea fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Bretón, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato.

La amistad con Bretón fructificó en la portada del libro "Catálogo de la exposición Surrealista Internacional" (1939) con textos de Bretón y en 1935? una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.

En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.

La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo del cine con !Que Viva México! (Eisenstein, 1930), y participó en rodajes con personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, y de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con el también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.

Durante una larga trayectoria nacional e internacional, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).

Falleció el 19 de octubre de 2002 a la edad de 100 años.

Fuente: es.wikipedia.Org

Rafael Del Valle Contreras

2009-02-15T19:57:00.003-06:00

FOTOGRAFÍA

Rafael Del Valle Contreras, nace en la ciudad de México, estudia fotografía en la Escuela Superior de Artes Plásticas en la dirección de postgrado en San Carlos de la UNAM. Ha colaborado para distintos medios impresos y electrónicos, algunos de ellos son: Banda Roquera, Gaceta de Solidaridad, Unomasuno, El Nacional, Revista Mira, Revista Reflex, Tierra Adentro etc.
Su trabajo ha sido publicado en los libros: "Y nos organiamos", "Preis für jungen Bildjournalismus", Anuario 1999 del Club Fotográfico de México, Cultura Visual. “Una Experiencia Callejera".
En portales de internet entre los que destaca: http://mx.groups.yahoo.com/group/arteaficcion/
Actualmente, colabora desde hace seis años en la revista mexicana Fotozoom, teniendo a cargo la sección de Técnica Fotográfica. Dirige el portal "Vive la Cultura", Coordina un taller dominical de desnudo artístico, desde hace 5 años, e imparte cursos de fotografía.
Su obra abarca fotografía análoga en blanco y negro, técnicas antiguas, reutilizando técnicas de virado tradicional, reformulando y adicionando ácidos gracias a los estudios de química que hizo en el Instituto Politécnico Nacional. Actualmente se desarrolla en la fotografía digital. Ha abordado diversos temas basándose en la composición fotográfica como uno de los principales elementos de impacto de la imagen tanto en el fotorreportaje como en la toma en estudio. Combinando composición e iluminación, ya sea para retrato o desnudo artístico. Desarrollando varias series hasta ahora las cuales son:
Dentro del reportaje: "Herederos Del Fin de Siglo" (sobre las propuestas independientes del rock en México, sobre todo en moda y expresiones culturales). "Así Somos", sobre las fiestas populares de la ciudad de México. En estudio y composición, desarrollando el tema de: miradas de metal (apoyándose en técnicas antiguas de fotografía). "De la mano de Dios" .Usando las manos como punto de partida del proyecto.
Graffities: Partiendo de la composición y la presencia de alguna modelo. (sin concluir), Ángeles. (sin concluir).

Su página web es: http://mx.geocities.com/rafp4

Mc Nay Art Museum, San Antonio Texas

2009-02-14T08:41:00.019-06:00

Descripción

Fundado por la educadora Marion Koogler McNay en los años 20, el hogar colonial español del Renacimiento-estilo abierto como el primer museo del arte moderno en 1954.

La señora McNay creyó que la experiencia del gran arte debe estar disponible para todos. Más de 100.000 visitantes al año hoy se cautivan por las obras de arte magníficas incluyendo Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Edward Hopper, Georgia O'Keeffe, Pablo Picasso, Jackson Pollock y Pierre-Auguste Renoir. Un socio vital en la educación de los artes.

El McNay presta servicios anualmente tanto a 45.000 personas entre adultos, profesores, estudiantes y familias con una variedad de programas educativos de los artes y de recursos educativos, incluyendo una biblioteca de referencia de las bellas artes y una información interpretativa sobre arte en la colección y las exposiciones del museo.

Mc Nay Art Museum: 210-824-5368 6000 N New Braunfels Ave San Antonio, TX 78209, US

Fuente:

http://www.mcnayart.org/

Fotografía: Raúl Sánchez, integrante del grupo arteaficción, quien nos ha recomendado este museo después de haberlo visitado el año pasado.

The making of Peter & The Wolf

2009-02-13T18:23:00.003-06:00

"Los Famosos y el Arte"

En este video podremos ver a Bono el cantante de U2 y sus hijas Eve y Jordan trabajando en la ilustración para la publicación del libro "Peter & the Wolf" en el 2003, para fines caritativos.

Gustav Klimt

2009-02-13T14:03:00.007-06:00

Klimt, Gustav

Nacionalidad: Austriaca

Baumgarten (14-7-1862) - Viena (6-2-1918)

Estilo: Secession de Viena , Simbolismo

THE KISS

En uno de los escasos textos autógrafos que conservamos, Klimt escribió: "estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante. No hay nada especial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche. Figuras, paisajes; de vez en cuando, retratos. Las palabras, habladas o escritas, no me salen con facilidad, especialmente cuando tengo que decir algo sobre mí mismo o sobre mi trabajo. (...) Si alguien quiere descubrir algo en mí (...) puede contemplar atentamente mis pinturas y tratar de descubrir a través de ellas lo que soy y lo que quiero". Sin embargo, el hombre poco interesante será uno de los creadores más originales de las primeras décadas del siglo XX. Gustav Klimt nació en Baumgarten, en las cercanías de Viena -hoy es el distrito XIV de la capital- el 14 de julio de 1862. Su padre se llamaba Ernst y era grabador, aunque en su juventud hubiera soñado ser cantante de ópera. Su madre era una mujer de carácter llamada Anna Finster. Formaban una familia humilde que mudaba con frecuencia su domicilio al no poder pagar el alquiler. El matrimonio tuvo siete hijos: Clara, Gustav, Ernst, Hermine, Georg, Anna y Johanna. A los seis años el pequeño Gustav acudió a la escuela pública, obteniendo su certificado de estudios a los catorce. Ya en esta época mostró buenas dotes para el dibujo por lo que los profesores aconsejaron a sus padres que hiciera el examen de ingreso en la Escuela de Artes y Oficios. Gustav realizó como prueba el dibujo de una cabeza femenina, aprobando el examen y consiguiendo una plaza en la Escuela. Un joven llamado Franz Matsch también ingresó ese mismo año. Ernst Klimt ingresó un año más tarde. Los tres formarán la Compañía de Artistas poco tiempo después. Los hermanos Klimt estudiaban gracias a una beca y pronto empezaron a recibir pequeños encargos, por lo que la situación económica familiar empezó a aliviarse. Su primer trabajo fueron los dibujos de las vidrieras de la Iglesia Votiva de Viena. Tras tres años dibujando moldes de escayola y estatuas clásicas -la verdadera fuente del arte en aquellos momentos- habían superado la formación en la Escuela, por lo que pensaron presentarse a las oposiciones estatales para profesores de dibujo en las escuelas secundarias. Sin embargo, el arqueólogo e historiador del arte Rudolf Eitelberger von Edelberg, tras contemplar sus trabajos, les animó a que continuaran su carrera como pintores, acudiendo a las clases del profesor Ferdinand Laufberger, consiguiendo una beca de 30 florines al mes. A la muerte de Laufberger en 1881 será Julius Victor Berger quien se encargue de su aprendizaje, permaneciendo en la Escuela de Artes y Oficios hasta 1883. En 1881 los tres jóvenes artistas crearon un estudio, tras haber recibido importantes encargos como la decoración del patio del Kunshistorisches Museum de Viena o de los techos del Palacio Sturnany en Viena y del balneario Carlsbad en Checoslovaquia. La Compañía de Artistas empezaba a cosechar importantes éxitos debido a que podían trabajar más deprisa que un pintor en solitario, asegurándose la unidad de estilo, a pesar de que el trabajo estaba muy estructurado y cada uno hacía su cometido. La mayor parte del año 1883 la Compañía estará decorando el teatro municipal de Reichemberg. El resultado fue tan satisfactorio que el propio rey de Rumania les encargó la decoración de la escalera del castillo de Peles con una galería de antepasados. Gustav copió el retrato de Isabella d´Este de Tiziano, sintiéndose atraído por el gran artista veneciano. En 1885 decorarán la Villa Hermes en Lainz, el lugar más apreciado por la emperatriz Elisabeth para su reposo. En este encargo siguieron los modelos del recientemente fallecido Hans Makart, considerado el "príncipe de los pintores". Bien es cierto que todos los trabajos que realice la Compañía en estas fechas están vinculados al clasicismo historicista del que Makart era el máximo representante. Ese año de 1885 también decoraron el Teatro Nacional de Bucarest y el teatro municipal de Fiume (Rijeka). Al año siguiente sería el techo del teatro de Karlsbad. La fama de los miembros de la Compañía había llegado a Viena gracias a Karl Freiherr von Hasenauer, el arquitecto de Villa Hermes, quien les proporcionó su primer encargo en la capital del Imperio: los techos de las escaleras del Burg Teather, siguiendo el más absoluto historicismo en su ejecución. La obra duró dos años, entre 1886 y 1888, recibiendo de manos del emperador Francisco José I la Medalla de Oro al Mérito Artístico. El éxito obtenido llevaría a un nuevo encargo relacionado con el Burg Teather: unas obras que recogiesen el ambiente del teatro antes de su demolición. Con estos trabajos, Matsch y Klimt obtuvieron el Premio Imperial, dotado con 400 florines. El 28 de febrero de 1890 la Compañía de Artistas recibe el encargo de pintar la caja de la escalera principal del Kunsthistorisches Museum de Viena. Gustav será quien pinte los lienzos correspondientes al Arte Egipcio, el Arte Griego y el Renacimiento Italiano. En estos trabajos empezaron a hacerse notables las diferencias entre los tres miembros de la Compañía pero seguían unidos. En 1892 se trasladaban a un estudio en la Josefstädterstrasse, estudio que posteriormente sólo utilizaría Gustav. El 9 de diciembre de ese año fallecía Ernst Klimt. El primer envite para la desaparición de la Compañía se había producido. El grupo sólo aguantaría dos años más. Ese mismo año de 1892 también falleció el padre de Klimt, de un ataque de apoplejía, la enfermedad que también llevaría al pintor a la tumba. Gracias al dinero conseguido, Gustav realizó algunos viajes, visitando Munich, una de las ciudades más vanguardistas del momento. En este viaje pudo conocer la obra de Fernand Khnopff, cuyo estilo simbolista influirá en los trabajos realizados por Gustav entre 1895 y 1898. En 1893 la Compañía recibe un nuevo encargo: la decoración de la sala de música y el comedor del Palacio Dumba. Klimt se responsabilizó de la decoración de la sala de música y su compañero del comedor, poniéndose de manifiesto que los estilos de cada uno eran diferentes y ya no podían trabajar de manera complementaria. A pesar de esto, ambos artistas firman en 1894 uno de los contratos más importantes de su vida: las pinturas del techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. En su ejecución, Klimt trabajó más de diez años y supusieron su principal quebradero de cabeza, tanto con la prensa como con los expertos, el claustro universitario o el público en general, que se sentirá escandalizado ante el resultado final. El estilo del pintor sufrirá una profunda evolución en estas obras que, por desgracia, fueron quemadas por las tropas nazis en mayo de 1945, para evitar que los soviéticos, en su avance hacia Berlín, se apropiaran de los tesoros artísticos que guardaba el Castillo Immendorf, donde se habían llevado para preservarlas de los bombardeos que sufría Viena. Como uno de los pintores más importantes de Austria, Klimt formaba parte de la Sociedad de Artistas Figurativos de Viena, más conocida como la "Casa de los Artistas". En el seno de esta Sociedad tendrá lugar un importante conflicto que se saldará en 1897 con la secesión de un importante grupo liderado por Klimt y del que también formaban parte los pintores Karl Moll y Kolo Moser y los arquitectos Otto Wagner, Josef Hoffman y Josef Maria Olbrich. Gustav es elegido presidente de la Secession, uno de los grupos más vitales en la vanguardia de los primeros años del siglo XX. Al año siguiente tendrá lugar la primera de las veintitrés exposiciones que organizarán los secesionistas, para la que Klimt diseñará el cartel. Ese año 1898 se fundará la revista "Ver Sacrum" en la que el pintor colaborará en algunas ocasiones. Los cuadros de la Universidad son presentados en el edificio de la Secession donde reciben todo tipo de críticas y elogios. La Filosofía es enviada a la Exposición Universal de París de 1900 y recibe la medalla de oro. Nadie es profeta en su tierra. Una de las principales exposiciones del grupo secesionista será la organizada en 1902, dedicada a la escultura de Beethoven realizada por Max Klinger. Para este importante evento, Klimt pinta una de sus obras fundamentales: el Friso Beethoven. Al año siguiente, el edificio de la Secession acoge la primera retrospectiva de Klimt. También en 1903 hace un importante viaje por Italia, visitando Florencia, Venecia y Ravena, interesándose especialmente por los mosaicos bizantinos que decoran las iglesias de San Vital y San Apolinar. Algunos estudiosos sugieren que esta doble visita a Ravena provocará el inicio de su "fase dorada", cuya obras más importantes son El Beso y el retrato de Adele Bloch-Bauer I. En 1905 se produce un importante conflicto dentro de la Secession, conflicto que se resuelve con el abandono del grupo por parte de Klimt y sus amigos, formando el llamado "Grupo de Klimt". La razón de esta escisión será la estrecha relación de este grupo con los Talleres de Viena (Wiener Werkstätte), fundados en 1903 por Hoffman y Moser, partiendo de un concepto de obra de arte total. Una de las obras maestras de estos Talleres de Viena será el Palacio Stoclet de Bruselas, construido por Hoffman y para el que Klimt diseñó un decorativista friso que sería realizado por un buen número de artesanos vinculados a los Talleres. Klimt no era un gran amante de los viajes ya que no se sentía cómodo viajando, al no saber idiomas y echar de menos su vida en Viena al poco tiempo de partir. Sin embargo, para huir de la presión que le suponían los plazos de entrega, pasaba todos los veranos en los alrededores de Kammer, junto al lago Atter, en compañía de su buena amiga Emile Flöge. Sobre la relación de Klimt y Emile existen numerosas dudas ya que sólo contamos con las notas que Gustav escribía a su amiga, que, francamente, no son muy reveladoras de lo que había entre ambos, además de una gran amistad.

Es conveniente en este momento hablar de las relaciones del pintor con las mujeres, especialmente con sus modelos. Sabemos que al menos tuvo dos hijos -Gustav y Otto- en su relación con Mizzi Zimmermann, entre 1899 y 1903; incluso se cuenta que tras fallecer, surgieron unas catorce mujeres que decían tener un hijo de Klimt. Y eso que la herencia dejada por el artista fue tremendamente escasa ya que aunque ganó mucho dinero, sus gastos fueron numerosos y no dejó casi nada a sus hermanas. En 1909 visita París, interesándose especialmente por la obra de Toulouse-Lautrec y de los fauvistas, encabezados por Matisse. También le llaman la atención los trabajos de Van Gogh, Gauguin y Munch. A su regreso a Viena se produce un importante cambio en su pintura ya que finaliza la época dorada y empieza la etapa identificada como caleidoscópica, ya que el decorativismo y la diversidad de colores se adueñan de las telas como se puede observar en Muerte y vida o el retrato de Eugenia Primavesi. En los primeros años de la década de 1910 Klimt empieza a ser valorado internacionalmente y sus trabajos consiguen buenas críticas en la IX Biennale de Venecia (1910), obteniendo al año siguiente el primer premio de la Exposición Universal de Roma. Será en 1911 cuando realice un largo viaje por Europa, visitando Florencia, Roma, Bruselas, Londres y Madrid, donde pudo contemplar los trabajos de su admirado Velázquez. No olvidemos que Klimt llegó a manifestar que sólo había dos pintores en la Historia: Velázquez y él mismo. Gustav era un hombre tremendamente rutinario como podemos observar en la siguiente descripción de Karl Moll: "Le gustaba levantarse temprano y necesitaba ejercicio; por la mañana hacía a pie todo el camino desde la Westbahnstrasse, donde vivía con su madre y sus hermanas -que dependían de él- hasta el café Tívoli, en Meidling -que estaba decorado en el antiguo estilo vienés que más le atraía, el Nuevo Artista-, muy cerca de Schönbrunn. Como cliente distinguido, se le mimaba y apreciaba; un espléndido desayuno, del que lo más importante eran montones de nata montada, que le iba a dar fuerza para el resto del día. Allí también es donde solían visitarle los amigos porque, una vez llegaba al estudio, se encerraba en él. Reemprendía de nuevo el camino hacia el estudio, a través del parque de Schönbrunn (...). Después de haber movido las piernas y llegado al estudio, ejercitaba los brazos. Entonces empezaba a trabajar; siempre había varias modelos disponibles y, si no las necesitaba para trabajar en sus cuadros, las dibujaba; pero los dibujos siempre estaban en relación con alguno de sus lienzos. No descansaba a mediodía. Con fruta y dulces tenía bastante hasta la cena, que tenía que ser de lo más abundante". La muerte de la madre del pintor en 1915 supondrá un duro golpe para él, provocando que su paleta se haga más oscura, lo que conducirá a que sus paisajes tiendan al monocromatismo. Al año siguiente participa en la exposición del Bund Österreichischer Künstler en la Secession de Berlín, junto a Egon Schiele y Oskar Kokoschka, dos jóvenes artistas con los que Klimt estableció una estrecha relación, especialmente con el primero al que conocía desde 1907. Si bien en 1893 se le había negado el nombramiento como catedrático de la Academia de Arte, renunciando a concesiones oficiales tras el escándalo de las pinturas de la Universidad, en 1917 se le elige miembro de honor de las Academias de Arte de Viena y Munich. El fundador de la Secession ha conseguido hacerse un hueco en las instituciones, a pesar de su lenguaje profundamente provocativo. El 11 de enero de 1918 Gustav Klimt sufría un ataque de apoplejía que le dejó medio paralizado. Fue trasladado a un sanatorio y el 3 de febrero se le llevó al Hospital General de Viena donde fallecía a las seis de la mañana del 6 de febrero, a consecuencia de una neumonía. Cuatro días después era enterrado en el cementerio de Hietzing, habiendo rechazado la familia un panteón de honor erigido por el Ayuntamiento de Viena. En su estudio quedaron un buen número de trabajos sin finalizar y un amplio catálogo de dibujos que fue repartido entre Emile Flöge y los hermanos Klimt.

Fuente: Arte Historia
http://www.artehistoria.jcyl.es/

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Bono Speed Painting

2009-02-12T06:10:00.008-06:00

A continuación podremos apreciar tres diferentes videos de artistas dibujando a Bono del grupo U2 utilizando tres diferentes técnicas.

Viva la Vida

2009-01-31T06:27:00.002-06:00

Coldplay cantando su nuevo éxito:
"viva la vida"

Diego Rivera

2009-01-27T07:45:00.000-06:00

Diego Rivera

Por la Prof. Elsa Sposaro.
Inconfundible, cálido, sensible, además de base fundamental para el desarrollo del muralismo mejicano. Puede ser definido como dibujante, pintor, ilustrador, escritor, conferencista y líder político.Diego María Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, mejor conocido como Diego Rivera, ha nacido en la ciudad de Guanajuato, el 8 de diciembre de 1886. Otras fuentes indican que la fecha del nacimiento fue el 13 de diciembre del mismo año y que nacieron dos gemelos.Al año y medio fallece su hermano gemelo. Nace su hermana, María del Pilar en 1891 y al año siguiente la familia (Rivera Barrientos) se establece en la ciudad de Méjico.
Desde muy joven Rivera se inclina hacia el Arte y es así que a los diez años de edad ingresa en la Academia de San Carlos, tomando clases por la noche. Sus maestros son Santiago Rabull y Félix Parra. Continuó allí sus estudios hasta que en 1902 fue expulsado por participar en las revueltas estudiantiles de ese año.Rivera recibió influencias de su primer maestro quien fuera discípulo de Ingres, como de José Guadalupe Posada, un grabador con el que Rivera trabajó en su taller. Posada deja en Rivera su sello a tal punto que se puede decir que se nota su influencia a lo largo de toda la obra de su discípulo.Toma clases con José María Velasco hacia 1904 y pinta sus primeros paisajes.El período comprendido entre 1905 y 1910, son muy importantes para Rivera, tanto en su aprendizaje como en el enriquecimiento de sus obras.Motiva esto, la posibilidad de realizar viajes a Europa. En 1905 recibe una pensión del Secretario de Instrucción Pública, Justo Sierra.Al año siguiente muestra 26 trabajos en la exposición anual de la Academia y participa en la exposición de pintura moderna organizada por la revista Savia Moderna.Hacia Enero de 1907 viaja a España con una beca del Gobernador de Veracruz, don Teodoro Dehesa. Una vez arribado ingresa en el taller de Eduardo Chicharro (considerado como el líder de la joven generación de pintores españoles) en Madrid. Durante los dos años que Rivera estudió con Chicharro, produjo un gran número de pinturas, muchas de las cuales envió a su casa en Méjico y otros directamente los envió al gobernador Dehesa para justificar la beca que recibía. Dehesa estaba convencido más que nunca que su sentencia había sido correcta en lo que se refiere a Diego Rivera y sus aptitudes artísticas.
Frecuenta a los hermanos Baroja y a Ramón del Valle-Inclán. Desde allí entre 1908 y 1910 realizó diversos viajes por Francia y Bélgica en 1909 en donde conoce a Angelina Beloff en Brujas. Estudia con el pintor académico Victor-Octave Guillonet. Él admiraba mucho la labor de Brüghel, Hogarth y Goya.También viaja a Holanda y Gran Bretaña.El año1910 es coronado con una Exposición (por primera vez) en la Societé des Artistes Independants. Recibe en estos viajes la influencia del postimpresionismo. Paul Cezanne lo impacta especialmente. Rivera experimenta con otros estilos que surgen en la época.
Rivera pensaba que el estudio de la pintura le permitía aprender mucho pero aún sentía que en su trabajo había algo ausente.
Sus pinturas parecen ser sólo para ser disfrutadas por la gente que podía permitirse el lujo de comprar obras para sus casas. Pero Diego Rivera entendía que el arte debe ser disfrutado por todo el mundo; en especial por los pobres. por los trabajadores.Rivera desarrolló un creciente interés por las masas y se interiorizó sobre el arte popular y las antiguas obras maestras de Méjico.En el mes de agosto viajó a Méjico y expuso en la Academia de San Carlos.
Regresa a Europa a principios del año siguiente y expone en el Salón d' Automne. Pasa la temporada invernal en Cataluña. Llegada la primavera de 1912 regresa a París y expone en la Societé des Artistes Independants. Se instala con Angelina en el 26 de la rue du Depart. Estancia en Toledo en el verano, junto con Zárraga y Best Maugard. Regresa a París en Septiembre. Época precubista.En 1913 efectúa una Exposición colectiva en la galería de Berheim Jeune. Envía cuadros a la Societé des Artistes Independants. Reside en Toledo de Abril a Agosto. Crea sus primeros cuadros cubistas. Expone en el Salón d' Automne.Realiza una exposición sus cuadros cubistas en la Societé des Artistes Independants, en 1914. Por esta época se reúne frecuentemente con Pablo Picasso y Juan Gris.Hace su primera exposición individual en la Galería Berthe Weill en Abril. La Primera Guerra Mundial lo sorprende en Mallorca. Se traslada a Barcelona en septiembre y se e instala en Madrid a finales de año.En 1915 Conoce a Marevna Vorobieva.Hacia 1916 construye la chose, un aparato óptico que permite realizar cuadros cubistas. En octubre, expone en la Modern Gallery de Nueva York. Ese mismo año nace Diego, hijo de Rivera y de Angelina Beloff.Rompe con el cubismo en 1917 y vuelve a la figuración tradicional. Diego Rivera consideró que el cubismo era demasiado intelectual, más preocupado por los conocimientos técnicos que con la fluidez natural de la concepción y por esta razón el cubismo gradualmente desapareció de su trabajo.
Fallece su hijo Diego Rivera Belloff.
En 1918 se muda con Angelina, a un departamento cerca del Campo Marte. Establece amistad con los suecos Adam y Elen Fisher, con quienes veranea cerca de Arcachon.
Viaja recorriendo Francia. La presencia de Picasso ha desaparecido en las obras de este período y la influencia de Cezanne es bastante notable, al punto en que a esta época se la puede denominar cezanniana.
Participa en 1919 en una exposición de pintura figurativa clásica en París y recibe duras y violentas críticas de los teóricos cubistas. Se encuentra con David Alfaro Siqueiros. Nace su segunda hija Marika Rivera Vorobieva.Se inicia en 1920 una nueva época costumbrista. Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar grandes composiciones murales en las que Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II).Estableció una relación amorosa con Elen Fisher y viajó a Italia a estudiar los frescos del Renacimiento que allí se conservan, e investigó la técnica mural del pintor renacentista italiano Giotto, cuya influencia lo hizo apartarse del movimiento cubista definitivamente, para indagar con mayor profundidad en las escenas sociales de su entorno. Antes de embarcarse, Diego tenía en cartera centenares de bocetos para ejecutarlos a su regreso.En marzo de1921 prepara su regreso a México y llega a Veracruz en julio. Conoce a José Vasconcelos, al que acompaña en diciembre a Yucatán. Efectúa viajes a Jalisco y Puebla e inicia una relación con Lupe Rivas Cacho, "la pinguica". Conoce a Lupe Marín.Estableció una relación amorosa con Elen Fisher y viajó a Italia a estudiar los frescos del Renacimiento que allí se conservan, e investigó la técnica mural del pintor renacentista italiano Giotto, cuya influencia lo hizo apartarse del movimiento cubista definitivamente, para indagar con mayor profundidad en las escenas sociales de su entorno. Antes de embarcarse, Diego tenía en cartera centenares de bocetos para ejecutarlos a su regreso.En marzo de1921 prepara su regreso a México y llega a Veracruz en julio. Conoce a José Vasconcelos, al que acompaña en diciembre a Yucatán. Efectúa viajes a Jalisco y Puebla e inicia una relación con Lupe Rivas Cacho, "la pinguica". Conoce a Lupe Marín.
Después de un catorce años de ausencia de Méjico, Rivera decidió regresar a sus hogares y participar en lo que hoy conocemos como el Renacimiento mexicano. El Ministro de Educación Pública, José Vasconcelos, puso en marcha un programa nacional de educación popular que incluyó la adición de arte mural a los edificios públicos.Siempre fue la ambición de Rivera expresar en forma plástica los sucesos, ideas y esperanzas de la Revolución Mexicana. Para ello realizó experiencias con la técnica del fresco que consiste en pintar directamente sobre la argamasa mojada (mezcla de cal y arena), para que el color penetre y al secarse quede fijado.En setiembre de 1922, ingresa al Partido Comunista Mejicano y en 1923 integra el comité Central del Partido Comunista Mejicano junto con Siqueiros y Xavier Guerrero. Además participa en la creación del sindicato de pintores, escultores y Grabadores Revolucionarios de Méjico.El vendedor de flores – Diego Rivera
En 1923 Diego Rivera comenzó una serie de 124 frescos en las paredes del patio de la Secretaría de Educación Pública. El edificio era de tres pisos de altura. Rivera tomó más de cuatro años para completar el trabajo. Durante este tiempo, ocupado como lo fue, Rivera también realiza treinta y nueve frescos en la Escuela Agraria de Chapingo. Pero fue su trabajo en el edificio de Educación que lo hizo famoso en todo el mundo occidental. Ése fue el renacimiento de la pintura mural.
El trabajo se divide en dos partes - el Tribunal de Trabajo, que representa a los industriales y agrícolas, labores de los mexicanos, así como su arte, escultura, danza, música, poesía y drama, y el Tribunal de Fiesta, que representa a popular festivales folclóricos y baladas. Además de sus murales en el Ministerio de Educación Pública y la Escuela Agraria de Chapingo, Diego Rivera creó hermosos murales en Cuernavaca, el Palacio Nacional, el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de Méjico y el Hotel Reforma salón de banquetes. Todos estos fueron pintados durante un lapso de quince años. Diego Rivera consideró que sus murales en el edificio de Educación constituye toda la historia de la civilización mexicana y la estructura social. Pareja indígena- Diego Rivera
Es indudable que los murales que Rivera realizó en México lo convirtieron en famoso, haciéndolo cabeza de la escuela pictórica y líder político. Su preocupación por la Política y lo social, lo hicieron blanco de innumerables críticas y lo envolvió de circunstancias no deseables. En junio de 1924, un grupo de estudiantes agrede los murales de José Clemente Orozco en la preparatoria. La prensa considera a Rivera la figura más prominente del "movimiento muralista". Nace Lupe Rivera Marín (Picos).La sangre de los mártires revolucionarios fertilizando la tierra- Diego Rivera-1926
En 1925 reanuda sus trabajos en la SEP gracias al apoyo del nuevo ministro, José María Puig. Paralelamente, Empieza a decorar la entrada de la Escuela de Agricultura de Chapingo y abandona el Partido Comunista. Gana un premio en Los Ángeles.En 1927 Rivera viajó a la Unión Soviética para asistir a las celebraciones del Décimo Aniversario de la Revolución de Octubre.El 22 de Agosto, se casa con Frida Kahlo. Frida Kahlo y Diego Rivera
Fue elegido Presidente del Bloque Obrero y Campesino. Es expulsado por el Partido Comunista. El mismo año comienza a pintar en el Palacio de Cortés en Cuernavaca gracias al apoyo del embajador norteamericano Dwight Morrow. Nombrado Director de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional, prepara un plan de estudios que suscita polémica.Vendedora de piñas - Diego Rivera
Entre 1930 y 1940 trabajó en los EE.UU. y México, y muchas de sus pinturas generaron polémicas y controversias. En 1932 diseña la escenografía y el vestuario del ballet H.P. (Horse Power) de Carlos Chávez. y comienza a pintar en el Detroit Institute of Arts gracias al apoyo de Edsel Ford.Barbarie nazi -Diego Rivera-1933Nueva York, International Ladies Garment Workers Union
Nelson Rockefeller lo contrata para decorar el lobby del Rockefeller Center de Nueva York, entonces en construcción. Renuncia en 1933 al cargo en la Escuela de Artes Plásticas y viaja a San Francisco para exponer en el California Palace of the Legion of Honor.El Rockefeller Center de Nueva York situado en "Fifth Avenue", una de las avenidas más importantes y famosas, se posicionaba como uno de los emblemas mas importantes del capitalismo. Diego Rivera, diseñó para esta ocasión, el mural denominado “El hombre en una encrucijada”. Pero cuando Rivera se encontraba a punto de completarlo, incluyó un retrato de Lenin, líder del partido comunista ruso. Este acto deliberado de Rivera ocasionó una tormenta de críticas negativas y positivas. La polémica desatada lo llevó a su despido y a la destrucción oficial del mural en 1934.En el San Francisco Art Institute -Escuela de Arte de San Francisco, así como en el Instituto de Artes de Detroit, es donde podemos encontrar las obras más destacadas de Rivera en los EE.UU.En 1936 solicita al presidente Lázaro Cárdenas del Río, el asilo político de León Trotsky en México, el que se concreta el año siguiente, recibiéndolo en la Casa Azul de Frida Kahlo.Recibe a André Bretón en 1938 a quien aloja en casa de su ex-esposa, Lupe Marin.Hacia 1939 se produce una ruptura con Trotsky y al año siguiente se divorcia de Frida Kahlo, para volver a casarse con ella en diciembre del mismo año.Las manos del Dr. Moore – Diego Rivera
Realiza Conferencias sobre Arte Política y Ciencia en el Colegio Nacional en 1943 y al año siguiente inicia la construcción del Anahuacalli y las decoraciones al fresco de los corredores del primer piso del Palacio Nacional, las que termina al año siguiente.En1946, pintó una de sus obras mas importantes: "Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central" en el recién construido Hotel del Prado de la Ciudad de México. También integra junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes.
Sueño de un domingo por la tarde en la alameda – Diego Rivera - 1946
Detalle de Sueño de un domingo por la tarde en la alameda, 1946
El Museo Mural Diego Rivera fue pensado y construido especialmente para albergar el mural Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central terminado en 1947 por Diego Rivera para el salón comedor Versalles del Hotel del Prado, que se encontraba ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México.Diego Rivera en un imaginario paseo por la Alameda, nos hace partícipes de los recuerdos de su niñez y juventud, a través de personajes que conoció, al mismo tiempo que realiza una síntesis de la historia de México, representada por algunos de sus protagonistas más importantes o significativos.A consecuencia de los sismos de 1985, el edificio del hotel quedó dañado de manera irreparable y el mural fue rescatado del interior para su conservación. Poco después se decidió colocarlo en un lugar cercano a su original ubicación, y comisionar al arquitecto J.L. Benllure para la realización del proyecto para el nuevo museo.La inclusión de un retrato de Ignacio Ramírez "el nigromante", enarbolando una pancarta que decía "Dios no existe", en el mural del Hotel del Prado, provoca una violenta manifestación y se ve obligado a borrar la frase y a retocar el mural dañado en 1948. Pinta 2 tableros más en Chapingo. Rivera trabajando
Al siguiente año el Instituto Nacional de las Bellas Artes organiza una magna exposición para festejar el cincuentenario de su labor artística. Continúa las decoraciones murales en el corredor del Palacio Nacional.En 1950 ilustró Canto General de Pablo Neruda y realiza la escenografía de la obra “El cuadrante de la Soledad” de José Revueltas. Con Siqueiros, Orozco y Tamayo, representa a México en la Bienal de Venecia. Recibe el premio Nacional de las Artes Plásticas.Para la exposición Veinte siglos de Arte Mexicano, en 1952,realiza en el Palacio de las Bellas Artes el mural transportable "Pesadilla de guerra y sueño de paz" en el que se representa, entre otros personajes, a José Stalin y a Mao . Carlos Chávez, director del INBA, se niega a incluir el mural en la muestra y lo secuestra. Rivera logra recuperarlo, y lo obsequia a la República Popular China.
En 1953 realiza una decoración mural en el exterior del Teatro Insurgentes y dos tableros para la casa particular de Santiago Reachi en Cuernavaca. Finaliza la decoración en mosaico de la parte frontal del Estadio Olímpico de la Ciudad Universitaria. Pinta "el pueblo en demanda de Salud" para el Seguro Social.Fallece su compañera Frida Kahlo en julio de 1954 y en setiembre solicita ser reincorporado al Partido Comunista y es aceptado.
Al año de fallecida Frida se casa con Emma Hurtado. Dona al pueblo de México, la Casa Azul de Frida Kahlo, el Anahuacalli y la colección de piezas prehispánicas que ha ido constituyendo a través de los años.El Hotel del Prado, en la Ciudad de Méjico, se negó exhibir un gran fresco suyo en que aparecían las palabras "Dios no existe". Rivera se negaba a borrarlas, hasta que por fin cedió al regresar a finales del año en 1956 de un viaje a Rusia realizado por motivos de salud y ser sometido a una operación quirúrgica.Vuelve a Méjico a finales de la primavera de 1956. El 8 de diciembre, al cumplir setenta años, sus amigos le organizan un festival en el patio de la Anahuacalli.El 24 de noviembre de 1957 fallece en Coyoacán.La nueva libertad - Diego Rivera
Diego Rivera ha sido sin duda alguna un artista comprometido políticamente, y su adhesión a la causa socialista se ve reflejada en todas sus obras. Puede ser definido como dibujante, pintor, ilustrador, escritor, conferencista y líder político.Sus realizaciones han sido el resultado de una amalgama del estilo de Gauguin, y las culturas maya y azteca. Ha sabido representar el período precolombino y los trascendentes elementos de la historia mexicana relacionados con la vida campesina y obrera. Ha sido Rivera un pintor de lo popular, resaltando costumbres y todo contenido social, que ha conseguido, fiel a su intención, llevar el arte a todas partes. Ha logrado hacer un arte para todos y así se refleja en todas sus obras. La noche de los pobres – Diego RiveraVIDEO Recomendado:http://www.youtube.com/watch?v=hL9JLugE8s8&feature=related

Fuente: El Arte de la Esquina.
http://elartedelaesquina.blogspot.com/

El Museo de Louvre

2009-01-26T16:36:00.000-06:00

Descripción del Museo de Louvre.

Louvre

2009-01-26T13:00:00.000-06:00

En este video se puede apreciar parte de un recorrido en el Museo de Louvre.

Imagenes de Otoño

2009-01-24T07:44:00.007-06:00

HOJAS

Imagenes que expresan el color, la luz y la belleza de un otoño, los arboles, sus hojas...

Silvia Juárez

Aficionada a la fotografía.

Fotografía Digital

2008

Magia

2009-01-24T06:41:00.003-06:00

Magia

Magia es levantarse
y decir estoy vivo.
La magia es recibir los buenos días
de nuestros vecinos
conocidos y desconocidos
cuando nos cruzamos.
por la calle.
La magia es dejar tu asiento
en medios de transporte a nuestros ancianos.
La magia es:
Amar cada día.
Amarte a ti mismo.
Y amar a tus prójimos.
La magia es saber compartir.
La magia esta en ser solidario.
No esperar que llegue la Navidad.
Todos los días del año, es compartir.
Un verso.
O una poesía.
Participar
de toda buena acción.
Los magos somos nosotros
mismos con nuestras buenas intenciones.
Regalar un ramo de flores,
sin ningún porque.
Sólo porque te hago feliz.
Hacer felices a los demás.
Sin mirar
que te lo pueda devolver
con otra buena acción.
Solo porque te sientes bien.
Una buena magia es perdonar a tus enemigos.
A los que te envidian.
Sin ningún porque.
Perdonar a los que te roban
porque son miserables.
Y tú mago.
Ámales y recibirán tu magia.
Con ella sanaran.
Mandar mensajes de felicitaciones,
sin ningún porque.
La magia es dar sin esperar
a recibir nada a cambio.
Hacer magia.
Porque la magia,
magia es.
Autor Arte William. Nuevo Movimiento Neo Surrealista. (La Cuna) L' Escala Girona Catalunya España. Domingo Día 17 Diciembre 2006 Hora 13:29 Medio Día.

Curso de Dibujo

2009-01-24T05:49:00.001-06:00

Nuestros Mejores Deseos

2008-12-20T23:15:00.000-06:00

Fotografía: Silvia Juárez

Feliz Navidad y Prospero Año 2009,
Les desea ARTE-A-FICcIÓN

Nuestra esperanza, nuestros niños...

2008-12-20T15:15:00.006-06:00

Nuestra esperanza, nuestros niños...

"Al otro lado"

Obra de Tomás Castaño

"Angel del Universo"

Obra de Silvia Juárez

Acrilico sobre Lienzo

50 x 60 cm

2006

Juntos hagamos un mundo mejor para nuestras familias. Heredemos a nuestros niños lo mejor de nosotros y de este mundo en que vivimos. Y no solo alimentemos sus ilusiones y sueños sino también sus realidades.

Silvia Juárez

Muchas gracias a Tomás Castaño por su colaboración.

Imagenes navideñas de algunos miembros de Arteaficción

2008-12-20T14:52:00.009-06:00

"Para nuestros niños" por Silvia Juárez

Buenos Deseos de Paula

Tarjeta Navideña por Xóchitl López

Xóchitl López

Paula

"Ven a mi casa esta Navidad"

Tarjeta Navideña por Carlos Álvarez

"Pesebre"

Fotografía Silvia Juárez

Tomás Castaño

2008-12-20T13:33:00.017-06:00

Artista Invitado

Tomás Castaño

Nacionalidad: Española
Lugar de residencia: Santander

***

Breve Biografía

Tomás Castaño nace en Santander (España) en 1953. Desde muy joven demuestra una especial predisposición hacia el dibujo, pero hasta la edad de 17 años no toma los primeros pinceles. De formación autodidacta, se ha forjado a si mismo, a base de tesón y entusiasmo, decantándose por un estilo de pintura realista, que aborda plasmando composiciones construidas, bien dibujadas, preocupándose de la composición y el dibujo, controla la perspectiva y también las facultades que lo han llevado a alcanzar un estatus de paisajista caracterizado por su trabajo arquitectónico. Su obra se caracteriza por un realismo sereno y poético, que traduce el deleite del artista en la plasmación de calles, edificios y fachadas con solera. Sus cuadros atrapan la magia de la estética de lo antiguo, y transmiten toda la calidez y humanización de los ambientes no transformados por la vida actual. Ha mostrado su obra en exposiciones colectivas por varios países como Alemania, Holanda, Francia, Argentina, Japón, Italia y numerosas exposiciones individuales y colectivas en territorio español. Ha representado a Cantabria en la Bienal de Florencia en la edición 2005. Su obra es reconocida por el peculiar estilo y el ambiente que crea en el acabado de sus series de viejas tabernas. Su obra figura en las colecciones de la Fundación Carriegos (León), Hotel Central de Santander, Ayuntamiento de Castro Urdiales, Ayunt. de Villanueva de Villaescusa, Sede Social de CC.OO. de Santander y otras colecciones privadas en España, Francia, Puerto Rico, EE.UU. y Costa Rica. Obra en permanencia en Galeria Sharon-León, Galería Este-Santander, Espacio 36-Zamora, Rita Castellote- Madrid y Akros Gallery de Bilbao.

Algunas obras de Tomás Castaño

"Al otro lado"

"Club Marítimo Castro-Urdiales"

"Cafetería Capitán León"

"Barbería Konfort"

ARTE-A-FICcIÓN entrevista a Tomás Castaño

1. Desde cuando empezaste a dibujar y/o a pintar ?

Desde niño ya me gustaba dibujar, aunque no empecé hasta los 17 años a pintar con óleo, pero profesionalmente lo hago desde el año 2000.

2. Cómo defines tu estilo?

Dentro del más puro estilo realista. Aunque algún crítico me ha colocado más cerca del hiperrealismo.

3. Qué es lo que te inspira al pintar?

Nada en particular, solo el estado de ánimo y mi carácter es muy optimista por lo que casi siempre estoy inspirado

4. Qué se necesita para lograr una buena obra?

La inspiración, si algún día no consigues lo que quieres, los colores, no avanzas en la obra, etc., lo mejor es dejarlo y darte un buen paseo e iniciar de nuevo al día siguiente.

5. Lo que la gente opina de tu obra es importante para tí? Influye esta opinión en tu trabajo ?

Yo personalmente lo considero muy importante y sobre todo las críticas constructivas, te ayudan a mejorar.

6. Qué es lo que pretendes expresar con tu arte?

Nada en particular. Trato de llegar a aquella gente que realmente entiende y ama el arte como siempre ha sido. Creo que solo perduran las buenas obras y eso solo el tiempo lo demostrará.

7. Un consejo para las personas que empezamos a dar nuestros primeros pasos en el mundo del arte?

Mucha paciencia y mucha suerte, saber rodearte de personas con buenos contactos y huir de los especuladores y sinvergüenzas que tanto abundan en este pequeño mundo.

Más de Tomás Castaño se puede apreciar en su página personal.

E-Mail:arte@tomascastano.com
Página Web: http://www.tomascastano.com/